I dipinti più famosi di Gustave Courbet. Gustave Courbet – biografia e dipinti dell'artista nel genere Realismo – Sfida artistica. Il cupo realista Gustave Courbet

Il nome di questo artista realista, dotato di notevole talento, è entrato saldamente negli annali delle belle arti europee. Il suo lavoro era odiato e ancora oggi i critici stranieri spesso sminuiscono il significato dei suoi dipinti e cercano di consegnarli all'oblio. Alexandre Dumas, figlio, parlò con rabbia dell'autore, che scioccò il pubblico del XIX secolo con le sue opinioni sull'arte: "Da quale mostro è venuto questo bastardo? In quale mucchio di letame è cresciuto questo grembo peloso, fingendo di essere un uomo?" "

Consideriamo la biografia e il lavoro di questo straordinario maestro, che ha evocato emozioni così forti nella società.

Gustave Courbet: biografia

L'artista di talento è nato nel 1819 in un piccolo villaggio in Francia e la sua vita è stata incredibile eventi importanti nella storia del paese. Suo padre, un ricco agricoltore, sognava che suo figlio diventasse un avvocato di successo e lo mandò a studiare al college di Besançon, dove il giovane di sua spontanea volontà iniziò a studiare pittura.

Giunti ai vent'anni, il giovane si reca a Parigi, dove visita vari laboratori d'arte e ammira le opere del Louvre, ma non si dedica alla giurisprudenza. Il giovane Gustave Courbet valuta davvero la sua base di conoscenze piuttosto modesta e cerca di comprendere tutti i segreti della pittura. Avendo dimenticato che i suoi genitori lo mandarono nella capitale della Francia per studiare legge, si dedica interamente all'arte. Più tardi, Gustave Courbet sottolineerà: “Non avendo insegnanti stabili, ho imparato tutto da solo”. Il giovane sognatore è affascinato dalle opere di Delacroix e Ingres, Rembrandt, Caravaggio e Tiziano. All'inizio copia i grandi dipinti dei maestri, ma capisce che il talento da solo non basta per diventare un pittore famoso.

Realizzare sogni di fama e riconoscimento

Era necessario esporre le loro opere in mostre d'arte e le opere per loro venivano selezionate da una giuria speciale. Mostrare i suoi dipinti alla società significava fama e riconoscimento per il creatore, e dal 1841 Gustave inviò Courbet comitato di ammissione tele, ma la fortuna gli avrebbe sorriso solo pochi anni dopo, e l'opera “Courbet with a Black Dog” fu finalmente notata dalla critica. Il comitato di selezione rifiuta il resto dei lavori e l'artista prende duramente i fallimenti.

Dopo la rivoluzione, la Francia diventa una repubblica e i cambiamenti nel sistema politico comportano cambiamenti nella società. La giuria del salone d'arte fu abolita, cosa di cui Gustave Courbet non mancò di approfittare, i cui dipinti furono finalmente notati, e la gente cominciò a parlare del maestro, ma non in modo elogiativo.

Tele scioccanti

Il pubblico sofisticato era abituato a vedere sulle tele bei volti in interni chic, e l’artista fu il primo a raffigurare rude provinciali su uno sfondo cupo, quindi non sorprende che la società non accettasse le opere scioccanti del maestro. Tuttavia, Courbet aveva seguaci e ammiratori del suo talento, che dichiararono Gustave il fondatore di un nuovo stile artistico: il realismo.

Un rivoluzionario che ha ricevuto il riconoscimento

L'artista legge libri di scrittori utopici e si considera un socialista anarchico, che attira l'attenzione della società. Un pittore di talento che vuole davvero ottenere riconoscimento e attenzione si dichiara addirittura repubblicano e rivoluzionario nel profondo. Secondo i ricercatori del lavoro di Courbet, ha scelto il momento giusto per una simile affermazione.

Quando la repubblica fu sostituita da un impero e Napoleone III salì al potere, la fama dell’artista raggiunse il suo apogeo. L'imperatore non favoriva i rivoluzionari e spacciava il rifiuto di esporre opere alle mostre che Gustave Courbet accolse come persecuzione per motivi politici. Il pubblico, avendo sentito parlare molto delle creazioni disonorate, era ansioso di vederle per formarsi la propria opinione.

Nel 1853 scoppiò un grande scandalo associato al lavoro dell'artista realista. Courbet ha esposto un'opera scioccante, "Bagnanti", che ha indignato il pubblico rispettabile. La coppia imperiale considerava offensivo il dipinto, che raffigura una donna nuda e paffuta che dà le spalle allo spettatore. L'opera trovò immediatamente i suoi ammiratori e detrattori.

Anti-esibizione del realismo

A quel tempo, l'artista Gustave Courbet era diventato famoso, ed era patrocinato da un ricco mecenate, con i cui fondi fu costruito il "Padiglione del Realismo", dove il creatore espose le sue opere. Si è trattato di una sorta di anti-mostra, in cui il pubblico ha potuto conoscere 40 dipinti vecchi e nuovi del pittore. Il padiglione con opere scritte nello stile del realismo era popolare non solo tra la gente comune, ma anche tra i critici.

La tragedia che paralizzò il pittore

Gustave Courbet, che si guadagnò una reputazione scandalosa, i cui dipinti non lasciarono nessuno indifferente, sostenne una rappresentazione realistica della realtà. Il pittore guadagna seguaci, i suoi dipinti vengono esposti in varie città europee con costante successo. Tuttavia, Courbet, che rivendica la libertà di sviluppo della società e si oppone al potere statale, viene arrestato e imprigionato dai reazionari francesi. Viene condannato a sei mesi di prigione e ad un'enorme multa, che l'artista malato non ha potuto pagare. Accadde una cosa terribile: tutte le tele furono confiscate, la bottega dove lavorava il pittore fu distrutta e non si parlò di esporre.

Depresso da quanto sta accadendo, Gustave Courbet fugge dal paese in Svizzera, ma non ha più la forza di lottare e protestare. Raramente prende in mano pennelli e colori e dalla sua penna escono solo paesaggi. Il 31 dicembre 1877 l'artista muore, e passano più di quarant'anni prima che le sue ceneri vengano trasferite in patria in segno di tardivo riconoscimento. Con la sua opera il pittore preparò il terreno su cui nacque la nuova arte.

"Courbetista"

Il realismo dell'artista amante della libertà è associato agli eventi rivoluzionari che si svolgono nel paese. Si ritiene che questo sia il modo in cui Courbet Gustave ha reagito ai disordini in Francia. Le rivolte popolari contribuirono alla nascita di un “nuovo” maestro, le cui opere furono destinate alla fama mondiale. Nonostante Gustave faccia affidamento sui risultati di brillanti creatori delle epoche passate, l’artista sviluppa il proprio stile e si definisce con orgoglio un “courbetista”.

Il cupo realista Gustave Courbet

Il dipinto "Stone Crusher", creato nel 1849, provoca un'enorme risonanza. Il suo autore solleva nella sua opera una questione sociale che lo ha preoccupato per tutta la vita. L'artista esamina il problema dell'estrema povertà: un vecchio frantuma una pietra e il suo giovane assistente versa le macerie in un mucchio. I volti dei poveri operai, con la pelle scurita dalla polvere, non esprimono nulla. Gustave raffigurava persone di età diverse stanche di un lavoro monotono su uno sfondo cupo, non animato da nulla. I colori scuri sono noiosi come l'ambiente in cui vivono un uomo e un giovane, rendendosi conto che il futuro non promette loro nulla di buono.

Lavoro scandaloso completato nel 1866

"L'origine del mondo" è un dipinto dell'artista realista Gustave Courbet, riconosciuto come l'opera più scandalosa della storia della pittura. Per molto tempo è stato in collezioni private, e negli anni '90 del secolo scorso è finito in un museo parigino, dove ora è esposto sotto un vetro antiproiettile. L'autore ha raffigurato un torso femminile nudo, declassificando ciò che era sempre rimasto nascosto. Non è un caso che lo spettatore moderno, che ha già visto molto, si senta in imbarazzo davanti al quadro.

La tela a grandezza naturale colpisce per la sua cruda sensualità. Una notevole rotondità dell'addome è indice della nascita di una nuova vita. L'autore sembra confondere i concetti di “vizio” e “fertilità”, mostrando la realtà senza abbellimenti. Courbet ha nascosto il volto della sua eroina, creando un'immagine collettiva di una donna sdraiata su un lenzuolo bianco come la neve. La tela realistica sciocca ed evoca una sensazione di rifiuto. Il pubblico indignato è indignato dal fatto che l'artista, che ha cercato di capovolgere una persona, abolisca tutti i concetti tabù e spii deliberatamente le persone nei loro momenti più intimi.

Le tele del maestro risuonano come un colpo di cannone nel silenzio. Gli spettatori non vogliono vedere la realtà nelle opere d'arte e non vogliono conoscere la verità. E l'audace Gustave Courbet, il cui lavoro è stato costantemente criticato, ha cercato consapevolmente di garantire che la società non dimenticasse che nel mondo non c'è solo bellezza e felicità.

Donna su un'amaca con un bambino (Femme au hamac, inquilino figlio enfant)

L'artista Gustave Courbet è un pittore, ritrattista, paesaggista e pittore di genere francese di fama mondiale, uno dei fondatori del realismo nella pittura - letteralmente la figura chiave del realismo francese.

Autoritratto (l'uomo disperato)

Jean Désiré Gustave Courbet nasce nel giugno del 1819 in un piccolo paese di circa tremila abitanti, Ornans, vicino al confine svizzero. Il padre del futuro famoso artista, Regis Courbet, era un ricco contadino e possedeva vigneti nei pressi di Ornane.

All'età di dodici anni, Gustave Courbet cominciò a frequentare il seminario locale, ma era diverso da lui numero totale seminaristi dal carattere estremamente vivace, cioè era, come direbbero adesso, un teppista. Tuttavia ha studiato abbastanza bene. Così bene che nel 1837 riuscì ad entrare al Royal College di Besançon, cosa che avrebbe dovuto avere un effetto benefico sulla sua futura carriera di avvocato, che era il sogno del padre del futuro artista.

Ma accadde che Gustave Courbet si interessò seriamente alla pittura e, nel tempo libero dal college, iniziò a frequentare l'Accademia, dove l'insegnante dell'aspirante artista era uno dei migliori studenti del famoso artista classicista Jacques-Louis David, Charles-Antoine Flajoulot.

Nel 1839, Gustave Courbet si recò a Parigi, avendo precedentemente promesso a suo padre che sarebbe andato oltre studio approfondito giurisprudenza.

A Parigi, Gustave iniziò a studiare le collezioni d'arte del Louvre; il giovane artista era particolarmente affascinato dagli artisti spagnoli e dai piccoli olandesi. Velazquez fece una grande impressione su Courbet: Courbet avrebbe poi “preso in prestito” i toni scuri per le sue tele dal grande artista.

Dopo aver studiato le collezioni del Louvre, Gustave Courbet decide di dedicare la sua vita alla pittura e inizia a frequentare i corsi di vari laboratori d'arte, soprattutto quelli di Charles de Steuben. Molto presto, il giovane decise di abbandonare l'educazione artistica classica e andò a lavorare nei laboratori di Suisse e Lyapin: in questi laboratori non c'erano lezioni obbligatorie e gli studenti non dovevano aderire ad alcun canone. Tutte le lezioni erano basate sulla ricerca artistica individuale dello studente, che si adattava perfettamente a Gustav.

Ben presto il giovane artista presentò al pubblico il suo primo dipinto” Autoritratto con cane nero", e questa foto è stata un enorme successo.

Autoritratto con cane nero

L'artista nel dipinto “Autoritratto con cane nero” si è raffigurato seduto all'ingresso della grotta di Plaisir-Fontaine (non lontano da Ornans). Alla sua sinistra giacciono un bastone e un album da disegno; alla sua destra, sullo sfondo di un paesaggio soleggiato, uno spaniel nero dalle orecchie piegate si staglia in sagoma scura. Nel cielo e sullo sfondo si notano alcuni tratti di prova realizzati con la spatola, strumento che Courbet utilizzerà successivamente con grande abilità. Nel maggio 1842, Courbet scrive ai suoi genitori:

Ho preso un bellissimo cane, uno spaniel inglese di razza: me lo ha regalato uno dei miei amici; tutti la ammirano, e in casa di Udo la accolgono molto più di me.

E solo due anni dopo" Autoritratto con cane nero"ha aperto le porte del Salon di Parigi a Courbet. Tuttavia, tutti gli altri dipinti del giovane artista furono respinti da una giuria rappresentativa.

Il fatto è che fin dall'inizio della sua attività creativa l'artista ha scritto come realista. E più lavorava, più si interessava al realismo e diventava oppositore di qualsiasi decorazione: credeva che l'artista fosse obbligato a mostrare letteralmente la nuda realtà e la dura prosa della vita, trascurando anche l'eleganza della tecnica pittorica.

L'artista ha iniziato a dipingere ritratti, ha viaggiato nei Paesi Bassi e in Belgio, dove ha stabilito contatti con venditori di quadri. E uno dei primi ammiratori e acquirenti dei dipinti dell'artista fu il collezionista e artista olandese, fondatore della Scuola di pittura dell'Aia, Henrik Willem Mesdach.

Furono i legami personali con venditori di dipinti in Olanda e Belgio che successivamente contribuirono al fatto che l'artista divenne noto ben oltre i confini della Francia.

Tuttavia, Courier non si limitò ai contatti in Belgio e Olanda, ma riuscì a entrare negli ambienti artistici di Parigi. Visitava spesso il caffè bohémien "Brasserie Andler", dove vivevano letteralmente famosi artisti e scrittori parigini.

Fino alla metà del XIX secolo, in Francia dominava letteralmente l’accademismo e l’opera degli artisti realisti veniva molto spesso rifiutata dagli organizzatori di mostre prestigiose. Gli artisti francesi, i cui nomi in seguito divennero la gloria della pittura del paese, furono emarginati e decisero persino di organizzare la propria mostra. Ma poi è iniziata la rivoluzione...

Nel 1848, sette opere di Courbet furono esposte al Salon, ma per questi dipinti non c'era alcun acquirente: il pubblico non era ancora pronto ad accettare il realismo francese. L'artista era certamente talentuoso e intelligente, ma il suo estremo realismo nella pittura, in alcuni punti nei dipinti di genere, “conditi” con idee socialiste, provocò uno scandalo garantito negli ambienti aristocratici e letterari parigini. E molto presto l'artista ebbe nemici influenti, ad esempio il famoso critico e scrittore, il teorico anarchico Proudhon.

Tuttavia, pochi anni dopo Gustave Courbet guidò la scuola di pittura realistica emersa in Francia. Inoltre, le opere dei realisti francesi trovarono i loro ammiratori in altri paesi europei. Ma Parigi boicottò i realisti e per molti anni non fu esposto al Salon un solo dipinto di Courbet.

Nel 1871, l'artista si unì alla Comune di Parigi, ricevette l'incarico di direttore dei musei pubblici sotto la Comune e divenne il leader della demolizione della Colonna Vendôme.

Dopo la caduta della comune, Gustave Courbet fu condannato a sei mesi di prigione e, dopo il suo rilascio, fu obbligato da un tribunale francese a rimborsare le spese di restauro della colonna, di cui supervisionò la demolizione.

L'artista lasciò la Francia e si stabilì in Svizzera. Morì in terra straniera nel dicembre 1877. Povero e dimenticato.

Dipinti dell'artista Gustave Courbet

Nudo sdraiato
La foce della Senna Ritratto di fanciulla (Portrait d'une fillette) Sul bordo di una scogliera (Sur le bord de la falaise)
La Baccante (La Baccante)
Autoritratto (Il ferito)
Amaca Ritratto di Paul Ansout
Pomeriggio di relax a Ornans (Dopo cena a Ornans) Bionda addormentata
Contadina con una sciarpa
Vigili del fuoco che corrono verso un incendio
Ornans a mezzogiorno (Veduta di Ornans) Madame Auguste Cuoq (Mathilde Desportes, 1827-1910)
Giovani Signore del Villaggio
La filatrice addormentata (La fileuse endormie) Louis Gueymard nel ruolo di Robert il diavolo
Grandi querce in riva al mare, Port-Berteau (Grands Chenes, bords de l'eau, Port-Berteau) La fonte
Parco Rochemont (Le Parc de Rochemont)
Donna con un pappagallo
Jo, la bella irlandese (Jo, la bella irlandese)

E per concludere, voglio mostrarvi un dipinto di Gustave Courbet, che ha reso noto non solo il nome dell'artista... È stato uno scandalo. Uno scandalo sopravvissuto all'artista e che continua ancora oggi.

Questa immagine non è stata mostrata al pubblico fino al 1988. Ora quest'opera di Gustave Courbet è esposta al Brooklyn Museum (New York) dietro un vetro blindato e sotto costante sorveglianza: accanto al dipinto c'è letteralmente un palo.

Questo dipinto è stato commissionato da un diplomatico turco per la sua collezione personale. Tuttavia, il diplomatico fallì ben presto, la collezione fu venduta all'asta e... In generale, il pubblico venne ben presto a conoscenza della presenza del dipinto e del suo autore.

Gli amanti dell'arte hanno già capito che sto parlando del dipinto di Gustave Courbet

Origine del mondo

Non per niente l'immagine è considerata scandalosa. Prima di girare la diapositiva, p Ti invito a leggere: Ho già 18 anni e non cado in preda all'isteria per la pittura realistica in stile nudo.

Jean Désiré Gustave Courbet è stato un pittore, paesaggista, pittore di genere e ritrattista francese. È considerato uno dei finalisti del romanticismo e i fondatori del realismo in pittura. Uno dei più grandi artisti francesi del XIX secolo, figura chiave del realismo francese.

Gustave Courbet nasce nel 1819 a Ornans, cittadina di circa tremila abitanti situata nella Franca Contea, a 25 km da Besançon, vicino al confine svizzero. Nel 1839 andò a Parigi, promettendo al padre che lì avrebbe studiato legge. A Parigi, Courbet conobbe la collezione d'arte del Louvre. Il suo lavoro, soprattutto i suoi primi lavori, fu successivamente fortemente influenzato da piccoli artisti olandesi e spagnoli, in particolare Velazquez, dal quale prese in prestito i toni scuri generali dei dipinti. Courbet non studiò legge, ma iniziò invece a studiare nei laboratori d'arte, principalmente con Charles de Steuben.

Nel 1844, il primo dipinto di Courbet, Autoritratto con cane, fu esposto al Salon di Parigi (tutti gli altri dipinti furono respinti dalla giuria). Fin dall'inizio, l'artista si è dimostrato un realista estremo, e quanto più, più forte e persistente ha seguito questa direzione, considerando che lo scopo ultimo dell'arte è la trasmissione della nuda realtà e della prosa della vita, e allo stesso tempo tempo trascurando anche l’eleganza della tecnologia. Negli anni Quaranta dell'Ottocento dipinse un gran numero di autoritratti.

Alla fine degli anni Quaranta dell'Ottocento, la direzione ufficiale Pittura francese C'era ancora l'accademismo e le opere di artisti realistici venivano periodicamente rifiutate dagli organizzatori delle mostre. Così, nel 1847, tutte e tre le opere di Courbet presentate al Salon furono respinte dalla giuria. Inoltre, quest'anno la giuria del Salon ha rifiutato le opere elevato numero artisti famosi tra cui Eugene Delacroix, Daumier e Théodore Rousseau.

Nonostante l'intelligenza e il notevole talento dell'artista, il suo naturalismo, condito, nei dipinti di genere, con una tendenza socialista, suscitò molto rumore negli ambienti artistici e letterari e gli procurò molti nemici (tra cui Alexander Dumas, figlio), sebbene anche molti aderenti, tra cui quello del famoso scrittore e teorico anarchico Proudhon. Alla fine, Courbet divenne il capofila della scuola realistica, che ebbe origine in Francia e da lì si diffuse in altri paesi, soprattutto in Belgio. Il livello della sua ostilità verso gli altri artisti raggiunse il punto che per diversi anni non partecipò ai salotti parigini, ma alle mostre mondiali organizzò mostre speciali delle sue opere in stanze separate.

“Da quale mostro potrebbe provenire questo bastardo? Sotto quale cappa, su quale letamaio, annaffiato con una mistura di vino, birra, saliva velenosa e muco puzzolente, è cresciuta questa zucca pelosa e dalla voce vuota, questo grembo che si finge uomo e artista?, - questo è esattamente il modo in cui Alexander Dumas, il figlio, ha parlato emotivamente e con rabbia di questo maestro.

Gustavo Courbet scioccò il pubblico sofisticato del XIX secolo con le sue passioni creative uniche. Le sue opinioni sull'arte provocarono disgusto, ammirazione o indignazione, ma non lasciarono nessuno indifferente. Inoltre, anche il comportamento dell'artista rivoluzionario era tutt'altro che ideale. E si guadagnò la reputazione di "burlone rumoroso" nel 1831, quando era uno scolaro.

L’interesse del giovane Courbet per il disegno nasce grazie al “padre” Bod, il suo insegnante. Ma il padre considerava suo figlio un avvocato di successo, quindi il figlio rispettoso, ascoltando il consiglio dei suoi genitori, studiò diligentemente legge al Royal College di Besançon. Allo stesso tempo, non ha dimenticato di prestare attenzione all'arte, studiandola presso l'Accademia locale. Ma un giorno la scelta finale fu fatta a favore della creatività e Gustave Courbet si trasferì a Parigi, dove iniziò a padroneggiare il mestiere.

Il giovane era un assiduo frequentatore di musei, dove copiava diligentemente le opere di famosi pittori. È vero, Gustave rimase subito profondamente deluso dai dipinti della scuola francese. Guardando con disprezzo le tele, dichiarò coraggiosamente ai suoi compagni che non sarebbe diventato un artista se la vera pittura fosse consistita solo in tali opere.

Il maestro ha voluto sistematizzare le sue conoscenze e ha studiato le opere di ciascuna scuola d'arte in stretta sequenza. Un po’ più tardi, Courbet utilizzò abilmente la conoscenza accumulata, per cui i suoi amici lo soprannominarono “Courbet il predicatore”. Un giorno, i suoi compagni portarono Gustave al Museo del Lussemburgo, lo misero davanti al dipinto e gli chiesero la sua opinione sulla tela. L’impudente Courbet rispose:

“Farei lo stesso domani se osassi”

Era ambizioso e assetato di riconoscimento, per il quale cercava argomento di successo e sperimentato stili. Ma i risultati dei suoi esperimenti non hanno avuto successo e la maggior parte delle opere proposte sono state criticate dai membri della giuria del Salon. Solo l'Autoritratto con un cane nero, in cui l'artista si è raffigurato seduto vicino all'ingresso della grotta di Plaisir-Fontaine, ha ricevuto una valutazione più moderata da parte dei giudici. Di lato sinistro di Courbet c'erano un quaderno da disegno e un bastone, e sulla destra c'era uno spaniel nero.

Gustave ha utilizzato lo stesso dipinto come bozza, testando un nuovo strumento di disegno su tela. Sullo sfondo sono visibili diversi tratti imprudenti eseguiti con una spatola. Ma anche “Autoritratto con cane nero” non rafforza la posizione di Gustave Courbet; al contrario, essa peggiora solo dopo il suo matrimonio con Virginia Binet.

Ma presto la fortuna sorrise al maestro: un commerciante olandese acquistò due opere finite dell'artista e promise di fare più ordini se Courbet fosse venuto in Olanda. Il maestro pensò a lungo; i suoi compagni, tra cui Charles Baudelaire, Pierre Proudhon e altri giovani artisti e scrittori, lo aiutarono a prendere la decisione finale. Gli amici si riunirono in una taverna, che tra loro chiamavano il "Tempio del realismo". Fu lì che discussero le idee che costituirono la base dello stile pittorico realistico dell'arrogante Gustave Courbet.

I critici sputarono apertamente contro l'artista, i caricaturisti non erano contrari alla parodia di nessuna delle sue opere e gli spettatori si infuriarono quando il maestro presentò i suoi dipinti scandalosi. La forte reazione al realismo era giustificata per due ragioni: questo stile sembrava pericoloso perché era attivamente sostenuto dai socialisti, e la sua estetica si opponeva allo stile accademico adottato al Salon.

L'artista ha trattato l'opinione della società con scherno e, non senza piacere, ha dichiarato la sua opposizione all'ordine esistente:

“Non sono solo un socialista, ma anche un democratico e un repubblicano. In altre parole, sono un rivoluzionario fino al midollo."

Se i classicisti raffiguravano eroi antichi, e i romantici preferivano individui eccezionali in circostanze eccezionali, allora i realisti, ai quali Courbet si considerava, facevano dei loro contemporanei e delle loro preoccupazioni quotidiane il tema principale del loro lavoro.

Gustave descriveva tutto come reale e non riconosceva l’“abbellimento”. Ad esempio, nel 1849 fu creato il dipinto “Funerale a Ornans”, in cui i francesi comuni erano raffigurati a tutta altezza sullo sfondo di una composizione storica. Le figure riempiono quasi l'intero spazio e l'aspetto indifferente dei partecipanti al rituale conferisce vitalità alla trama.

Courbet era particolarmente bravo nei ritratti di donne. Furono loro a suscitare la più grande indignazione della parte altamente morale della società, pronta a lanciare pietre contro l'artista sfacciato. Così, nel 1853, il dipinto “Bagnanti” fece molto rumore. Questo lavoro è un'aperta protesta contro le vecchie trame e i concetti precedenti di rappresentare una persona "in ciò che sua madre ha dato alla luce".

I critici hanno accusato l’artista che la donna nella foto era troppo realistica, “dimenticando” che, secondo i canoni del classicismo, i contorni e le forme da ragazza appartengono esclusivamente a personaggi mitici. Nel Salon furono espresse opinioni secondo cui anche i coccodrilli avrebbero perso l'appetito se avessero visto una donna così magnifica. E anche le pose delle eroine della foto hanno confuso il pubblico. Ad esempio, in una ragazza con la mano alzata hanno visto un accenno di Maria Maddalena, e un'interpretazione così dubbia ha immediatamente lasciato sull'immagine un'impronta di blasfemia e un atteggiamento blasfemo nei confronti della fede. Usavano persino ridicoli e meschini ridicoli e cavilli sul fatto che il mantello sui fianchi della donna raffigurata non era abbastanza pulito.

Nel 1854, l'artista completò il dipinto realistico “Hello, Monsieur Courbet!”, che fece scalpore all'Esposizione Mondiale di Parigi del 1855. Allo stesso tempo, l'artista fu dichiarato paladino della nuova arte anti-intellettuale, e in seguito iniziò la sua aperta opposizione ai circoli ufficiali.

Rifiutato dal Salon, Gustave organizza una mostra privata al Padiglione del Realismo. Courbet sperava nell'ammirazione e nel sostegno del pubblico, ma l'iniziativa ripagò a malapena le spese di costruzione dei locali.
Ma solo due anni dopo è stato presentato ufficialmente il dipinto “Le cameriere sulle rive della Senna”, considerato un’espressione artistica di “idee morali, psicologiche e sociali”.

Da quel momento iniziò l'ascesa creativa di Courbet, che non poteva essere spezzata né dalla reclusione, né dal ridicolo di un pubblico incompetente, né dai problemi con le autorità. L'artista ha seguito fermamente la sua posizione civica e ha sostenuto una rappresentazione realistica della realtà. Una volta ne parlò a Delacroix:

“Come dipingi gli angeli dopo averli visti? E se non li hai visti, come puoi scriverli? Quindi scrivo solo quello che vedo"

Il nome Courbet non significa per l'arte del XIX secolo meno di quanto Rembrandt e Velazquez per il XVII secolo. Dopotutto, proclamava apertamente il realismo come il suo metodo creativo ed era membro della Comune di Parigi. L’artista è sempre stato al centro delle battaglie di classe, a partire dalla rivoluzione del 1848. Potrebbe davvero essere fuori da questa situazione? Courbet non guidò le rivolte, ma le sue opere furono ispirate da coloro che vi presero parte, i lavoratori. Cominciò a raffigurarli nel modo in cui una volta venivano rappresentati solo gli dei, gli eroi mitologici e i re. Tutto era nuovo per lui. L'arte di Courbet era odiata come solo un ribelle può essere odiato, oppure vedevano in lui una bandiera della lotta per un futuro migliore. Così viene percepita la sua pittura ancora oggi. I critici borghesi sminuiscono il significato delle opere dell’artista e cercano di consegnarle all’oblio. Gli autori di mentalità democratica sottolineano la sua innovazione.

La risposta realista di Courbet agli eventi rivoluzionari del 1848. È impossibile confrontare le tele “Funeral in Ornans” e “Stone Crusher”, da lui realizzate nel 1849-1850, con gli autoritratti romantici e le composizioni inverosimili che eseguì prima del 1848. È caratteristico che i suoi contemporanei chiamassero l’artista “il figlio della rivoluzione”. E lui stesso era d'accordo con questa opinione.

La democrazia di Courbet è cresciuta fin dall'infanzia, in famiglia, tra la gente della provincia della Franca Contea, laboriosa e onesta. Per tutta la vita portò con sé il suo amore per la sua città natale di Ornan. Vi ritornava spesso, dipingeva le zone circostanti con alberi possenti, seminativi e vigneti e realizzava i ritratti degli abitanti. Suo nonno, un partecipante alla Grande Rivoluzione francese, un giacobino, ha avuto una grande influenza su di lui. Anche Gustave Courbet adottò le idee di suo padre, liberale e sostenitore della rivoluzione del 1830.

Arrivato a Parigi, legge libri che espongono gli insegnamenti dei socialisti utopisti e si considera il loro seguace. In una nota autobiografica tarda, l'artista nota direttamente che per dieci anni, fino alla rivoluzione del 1848, sostenne una rivoluzione attiva. Articoli sotto la sua firma sono apparsi sul quotidiano socialista Human Rights. L'originario di Ornans accettò anche le idee del famoso socialista Proudhon, autore del sensazionale opuscolo “Che cos'è la proprietà?”, con il quale in seguito diventò molto amico. La poesia di combattimento di Bérenger, i romanzi di Balzac e George Sand hanno avuto un impatto sulla mentalità del giovane. Il carattere amante della libertà dell'artista e la riluttanza a tenere conto delle norme del comportamento "decente" borghese hanno creato leggende; ovunque si parlava del "frenetico provinciale". Il caffè dove Courbet frequentava i suoi amici, il poeta Charles Baudelaire, il critico Chanfleury e altri, cominciò a essere chiamato il “tempio del realismo”.

Il 22 febbraio 1848 in Francia fu proclamata la repubblica, che l'artista sostenne con passione. Insieme a Baudelaire e Chanfleury, partecipa alla pubblicazione del giornale “Public Salvation”, per il quale realizza un disegno che rappresenta un giovane portabandiera su una barricata. Allo stesso tempo fondò un club socialista. Courbet era destinato a vedere con quanta brutalità la rivolta di luglio venne repressa dal generale Cavaignac. Il pittore è depresso da ciò che vede. Temendo la persecuzione da parte delle autorità, parte per Ornans.

La rivoluzione contribuì alla nascita del “nuovo” Courbet. Apparve il “maestro di Ornans”, come cominciarono a chiamarlo. Mette in pratica i principi del realismo da lui sviluppati.

Una rara capacità di lavorare contraddistingue l'artista. In un breve periodo di tempo furono realizzate numerose opere, tre delle quali destinate alla fama mondiale: “Un pomeriggio a Ornans”, “Funerale a Ornans” e “Frantoio di pietre”. La loro importanza non è diminuita nemmeno tra capolavori della scuola francese come “Il giuramento degli Orazi” di David, “La zattera della Medusa” di Gericault e “La libertà sulle barricate” di Delacroix. Courbet eredita la grande tradizione dell'arte progressista in Francia. Nelle sue ricerche si è affidato anche alle realizzazioni di eccezionali maestri del passato: Caravaggio, Rembrandt, Velazquez e Zurbaran. Ha sviluppato un modo completamente nuovo, che gli ha permesso di dire: "Sono un courbetista!"

Ecco il dipinto “Pomeriggio a Ornans”. Nell'oscurità della cucina, le persone si siedono attorno al tavolo da pranzo e ascoltano il violinista. La luce fioca proveniente dalla finestra superiore, invisibile allo spettatore, cade su una tovaglia bianca. Le posizioni sedute sono libere. Il padre dell'artista, che ha posato per questo dipinto, è raffigurato più vicino allo spettatore, con un bicchiere di vino in mano. Di fronte c'era l'autore stesso, accanto a lui c'era il suo amico d'infanzia. Il figlio di un organista locale suona il violino. La tela, infatti, non è solo una scena di genere, ma anche un ritratto di gruppo. È qui che torna utile l'abilità di ritrattista, acquisita da Courbet a Parigi negli anni Quaranta! Il pezzo è eseguito con molta abilità, le figure sono magistralmente scolpite con il colore. Luce e ombra sono particolarmente ben distribuite, sottolineando la plasticità dei corpi. Courbet è vicino al linguaggio artistico epico.

Il dipinto fu esposto al Salon del 1849, dove attirò un'ampia attenzione. Delacroix ha detto direttamente del suo autore: "Innovatore, rivoluzionario!"

Nel Salon successivo, inaugurato il 30 dicembre 1850, il dipinto “Funerali a Ornans” figura nel catalogo con il numero 661. Questa gigantesca tela, che rivaleggia con le dimensioni di una composizione ad affresco, fu iniziata da Courbet nel 1849. Sotto un cielo grigio, sullo sfondo di un altopiano cupo, si muove un corteo funebre. L'artista ha sottolineato che si tratta di un ritratto della società “laica” di Ornans, dove sono rappresentati il ​​sindaco, il prete, il giudice, il notaio, l'autore stesso, suo padre, le sorelle, gli impiegati e il becchino. Forse la scena rappresenta la sepoltura del nonno dell'artista. Ciò è evidenziato anche dalle immagini di due anziani in costumi della fine del XVIII secolo in piedi al centro dell'immagine. Lo stesso Courbet li chiama “i vecchi del 1794”, cioè partecipanti alla Grande Rivoluzione francese, compagni di suo nonno. Uno di loro ha un gesto interrogativo. Sembra chiedersi chi sostituirà la generazione uscente. Tutti i volti del corteo si distinguono per l'espressione prosaica. Il dolore di alcuni sembra simulato; il curato legge la preghiera in modo puramente meccanico. Gli altri chierici, a giudicare dai volti arrossati e sogghignanti, sono ubriachi. Solo i bambini sembrano naturali.

Ereditando le tradizioni della “Ronda di notte” di Rembrandt, l’artista crea abilmente l’immagine di una folla. Sebbene le persone reagiscano in modo diverso a ciò che accade, in generale c’è indifferenza. Le immagini del clero sono raffigurate in modo comico; vale la pena ricordare che Courbet è ateo.

In confronto ai dipinti nelle sale del Salon, il dipinto “Funerali a Ornans” sembrava estremamente inaspettato. Dal punto di vista della pittura accademica, la pittura di Courbet è “anticompositiva”: non ci sono personaggi principali, nessuna profondità prospettica. Nello schizzo originale a carboncino, il corteo passa interamente davanti allo spettatore. Ma poi l'artista decide di renderlo “partecipe” di ciò che sta accadendo. Pertanto, le figure delle persone sono scritte a tutta altezza. Il corteo si dirige verso il centro dell'immagine. Tutti i partecipanti sono visti dal basso verso l'alto, di uguali dimensioni. L'uguaglianza delle teste, una tecnica familiare ai rilievi greci, sembra essere stata usata qui deliberatamente da Courbet. All’unità della struttura compositiva corrisponde anche la cromia “funebre”, nei toni del nero e del grigio. Ci sono solo schizzi occasionali di rosso, bianco, blu e verde.

Courbet ha dipinto il quadro in condizioni difficili. L'enorme tela entrava a malapena nel piccolo laboratorio scarsamente illuminato. È stato realizzato un solo schizzo a carboncino. Schizzi di ritratti a grandezza naturale hanno aiutato nel lavoro. Forse, come materiale ausiliario, il maestro usò stampe popolari, che circolavano tra la gente comune come un "bel giornale". Le origini profondamente nazionali del film sono innegabili.

Semplicità, laconismo e profonda esplorazione del tema rendono la tela di Courbet una pietra miliare notevole nella storia dell’arte. L'artista stesso ha definito il “Funerale di Ornans” una scena storica. Voleva dire che il soggetto della vita moderna, rappresentato in modo così realistico, merita lo stesso rispetto di altri generi che un tempo erano considerati sublimi. Quest'opera può essere considerata un documento artistico dell'epoca. Uno dei suoi contemporanei, il critico Castagnari, disse che il quadro mostra la borghesia così com’è “in piena crescita, con le sue stranezze, bruttezze e bellezza”.

La trama di un altro dipinto, “Stone Crusher”, creato nel 1849, è stata osservata dall’artista nella realtà. Osò fare del tema del dipinto un'espressione estrema della povertà, della “schiavitù moderna”, come direbbe il suo amico Proudhon. Un vecchio frantuma una pietra, un ragazzo con un cesto in mano versa le macerie in un mucchio. I loro vestiti sono poveri, le loro scarpe logore. La pelle del viso e delle mani si scuriva e diventava ruvida a causa del sole e della polvere. Il lavoro noioso e monotono sembrava cullare la loro coscienza.

Il futuro non promette loro nulla di buono. Ecco perché Courbet mostra persone di due età. La colorazione del dipinto, come si può giudicare dalle riproduzioni (l'opera andò perduta a Dresda nel 1945), si basa su un'unica tonalità marrone, che non è ravvivata da nulla. I colori sono spenti come l'ambiente e le persone.

I dipinti di Courbet suonavano, secondo i contemporanei, come un colpo di cannone. "L'artista del 1848", come lui stesso si chiamava, sollevava una questione sociale nella sua arte. Durante gli anni di reazione, sembrava insolito che soggetti impensabili per la “grande” arte diventassero i preferiti della sua pittura. Il 2 dicembre 1851 cade la Repubblica. E cosa? Ai visitatori del Salon viene ricordato ciò che non vogliono sapere, ciò che non vogliono ricordare. Questa è insolenza! Courbet è andato consapevolmente in questa direzione. Credeva che i suoi dipinti dovessero diventare un'espressione dei principi rivoluzionari della pittura umanistica. Nel 1851 disse: "Sono un socialista, democratico, repubblicano, in una parola, un sostenitore di qualsiasi rivoluzione, inoltre, sono anche un realista, cioè un sincero amico della genuina verità".

Parigi. Esposizione Mondiale del 1855. Vicino al suo territorio, Courbet sta costruendo un padiglione, che ha chiamato “Realismo”. Il fatto è che la giuria del dipartimento artistico dell'Esposizione Mondiale ha rifiutato di accettare alcune delle sue opere, affidandosi a maestri come Ingres e Delacroix, associati alle tradizioni del romanticismo. Il realismo era estraneo alla giuria, che accettò di esporre solo alcuni dipinti di Courbet, abbandonando le opere che considerava le più importanti. E così il maestro di Ornan ha messo in scena una sorta di anti-mostra, mostrando al pubblico quaranta tele antiche e nuove. L’attenzione principale è stata attratta da un’enorme tela, lunga sei metri e alta quattro, chiamata “La Bottega dell’Artista”. Aveva però anche un secondo titolo: “Real Allegory”. Cosa intendeva con questo il pittore? Le allegorie che descrivono concetti astratti sono reali? Ovviamente non si è sforzato di abbandonare la rappresentazione della realtà e non ha voluto entrare nel mondo delle immagini convenzionali generate dalla mitologia degli antichi. Il maestro comprendeva molto materiale di vita relativo alla pratica creativa. Chiamò tale generalizzazione un'allegoria, il cui significato era fondamentalmente diverso dalle allegorie della pittura classicista.

I trenta personaggi del dipinto raccontano, come spiega Courbet, “la storia morale e fisica della sua bottega”. Pertanto, il secondo titolo di quest’opera sembra più completo: “Una vera e propria allegoria che definisce il settennio della mia carriera artistica”. Ma questo settennio della vita dell’artista si apre con il 1848. La rivoluzione si rivelò decisiva per lo sviluppo di Courbet. Considerando che il padiglione dove era esposto il dipinto si chiamava “Realismo”, possiamo dire che decise di rendere pubblica la sua idea su come realizzare un dipinto realistico. Nella prefazione al catalogo della sua mostra, il pittore ha sottolineato non solo l’importanza di dimostrare “l’individualità in relazione alle tradizioni”, ma anche l’esigenza di creare “arte vivente”. “Non ci sono altri insegnanti oltre alla natura!” esclama.

La composizione della tela è divisa in tre parti, ciascuna delle quali è in una certa misura indipendente, ma tutte collegate dall'unità semantica. Il laboratorio dell'artista, dove c'è un cavalletto con un dipinto, sono visibili gli accessori per la pittura e alle pareti sono appese le opere del proprietario stesso, è pieno di gente. Questo interno mostra l'autobiografia originale dell'artista in pittura. Al centro, Courbet raffigura se stesso, fiducioso e orgoglioso. Dipinge un paesaggio. L’aspetto della zona sembra familiare: è la città natale dell’artista nella Franca Contea. Ma la sua base metodo creativo lavorare direttamente dalla natura. Qual è il problema? Il paesaggio simboleggia la natura; l'artista lo adorava da solo. Accanto a lui c'è la figura nuda di una modella con un bellissimo drappeggio rosa che cade a onde sul pavimento: questa è una sorta di “musa” del realismo. L'opera è osservata da un ragazzo del villaggio, la personificazione della percezione diretta della bellezza. Dietro il cavalletto c'è un manichino raffigurante San Sebastiano. Il fatto che sia raffigurato nell'ombra non è, ovviamente, una coincidenza: la figura del santo indica chiaramente le tradizioni dell'arte accademica.

Courbet è decisamente contrario a loro, e questo si legge chiaramente nella foto. Accanto al manichino c'è un giornale su cui giace un teschio, un attributo comune delle botteghe degli artisti, necessario per lo studio dell'anatomia. Ma il fatto che sia sul giornale non è casuale. La stampa borghese di allora era, secondo la felice espressione di O. Balzac, “cimiteri delle idee”.

Ai lati della tela sono presenti due gruppi. Questi sono, come ha affermato lo stesso autore, “i miei amici: lavoratori e amanti dell’arte”. A destra ci sono immagini specifiche, la maggior parte sono ritratti. Qui lo spettatore può vedere Baudelaire, personificazione della poesia, Proudhon, lo “spirito della filosofia”, Chanfleury, un critico d'arte che difendeva il realismo sulla stampa, e il collezionista Bruas. Si vede un ragazzo seduto sul pavimento, che disegna. Questo è il futuro dell'arte. Quindi, a destra, dominano la creatività, il silenzio e il mondo della riflessione.

È diverso nella parte opposta dell’immagine, dove vengono forniti i simboli di povertà, ricchezza, lavoro e religione. Come sottolinea lo stesso Courbet, egli ritrae gli sfruttati e gli sfruttatori. Tutti loro - un cacciatore, un contadino, un operaio con la moglie, un commerciante di tessuti, una povera donna irlandese con un bambino - sono presentati in pose caratteristiche. I loro gesti sono vari e caratteristici. Ma le figure sono meno collegate tra loro che sul lato destro dell'immagine, come se ogni personaggio vivesse una vita indipendente. È possibile che molti avessero dei veri prototipi. Così, in due immagini si possono discernere i tratti del critico Teofilo Silvestro e del rivoluzionario Garibaldi. Personificano una vita attiva che ha un significato sociale; un artista realista dovrebbe essere interessato al loro destino.

Il quadro è stato dipinto rapidamente, in quattro mesi. Internamente, l'artista si è preparato più a lungo. La necessità di chiarire le proprie posizioni e aprire la strada al realismo ha aiutato. Courbet è stato aiutato da opere precedenti, ritratti di Baudelaire, Chanfleury, Bruas e schizzi dei suoi connazionali. Come molti artisti del suo tempo, utilizzava la fotografia. Con il suo aiuto, ad esempio, è stata dipinta una modella nuda.

Courbet capì che la tela "La bottega dell'artista" avrebbe suscitato molte polemiche e disse: "Le persone che vogliono giudicare tutto questo avranno parecchio lavoro". Il maestro ha introdotto coraggiosamente lo spettatore nella cerchia delle sue ricerche artistiche. Questa composizione, che riassume tanti pensieri e sentimenti dell’artista e proclama un metodo innovativo in una grande forma epica, è stata preceduta da altre opere. Tra questi vale la pena citare “Bagnanti”, che fece scandalo al Salon del 1853, e “Meeting”, esposto un anno dopo. Nelle “Bagnanti”, Courbet evita deliberatamente ogni idealizzazione, raffigurando su tela la figura nuda di una donna tra gli alberi. La tela “Incontro” ha anche un altro nome: “Salve, signor Courbet!” Rappresenta un artista che incontra un buon amico, il collezionista Bruas. Entrambi i pezzi furono esposti insieme a L'Officina e Il Funerale a Ornans nel 1855.

Il Padiglione del Realismo ha attirato l'attenzione di pubblico e critica. Le recensioni della stampa non fecero altro che rafforzare la reputazione dell’artista, che era un misto di “scandalo e gloria”. La cosa principale è che il realismo è diventato popolare, se ne parlava, se ne discuteva...

Dopo la mostra, Courbet andò a Ornans e presto dipinse il dipinto “Ragazze sulle rive della Senna”, dove mostrava donne vestite alla moda che si rilassavano all'ombra di fitti alberi. Nella composizione “Ritorno dalla conferenza parrocchiale”, il maestro ha presentato in modo critico, quasi caricaturale, la morale del clero, basandosi sulle tradizioni delle stampe popolari popolari. Questo dipinto, ovviamente, non fu accettato al Salon per il suo acuto carattere anticlericale; successivamente fu acquistato da uno zelante cattolico appositamente per distruggerlo.

Nel 1860 la situazione nell'arte francese stava cambiando in modo decisivo. Arrivò una nuova generazione di maestri, guidata da Manet e Whistler. Nel 1863, la giuria del Salon respinse così tanti dipinti che il governo decise di esporli in una mostra speciale. Molti futuri innovatori hanno esposto lì.

Courbet seguì da vicino lo sviluppo dell'arte. Il suo nome è sinonimo di una rivoluzione decisiva nei gusti artistici. Nel 1867 riaprì un padiglione separato. I dipinti dell’artista sono esposti in diverse città d’Europa a Bruxelles, Anversa, Gand, Monaco. Ha seguaci l'artista tedesco Wilhelm Leibl, l'ungherese Mihaly Munkacsi, il belga Charles de Grue. L’arte del maestro sta cambiando notevolmente, non tutti sono stati in grado di comprendere questi cambiamenti, molti collaboratori e amici del passato si sono allontanati da Courbet. Ma questo non lo deprime. Dipinge nature morte, nudi, paesaggi e scene di caccia.

La guerra con la Prussia complicò la situazione politica in Francia, nell'aria pre-tempesta della quale si sentiva la vicinanza della rivoluzione. Il 16 marzo 1871 scoppiò una rivolta a Parigi. I ministri reazionari fuggirono a Versailles. Il 28 marzo fu proclamata la Comune. Courbet viene eletto membro. Le sue convinzioni sono piuttosto vaghe: seguendo il socialismo piccolo-borghese di Proudhon, rivendica la libertà di sviluppo della società, opponendosi all'influenza del potere statale. Tuttavia, l’ingenuo “anarchismo” non gli ha impedito di partecipare attivamente alle attività della Comune. Insieme al critico Burti fece parte della commissione che monitorava l'attività dei funzionari dei musei “moralmente compromessi”. Era contrario alla sottrazione dei tesori artistici dalla capitale e invocava la tutela dei beni della repubblica. La sua attività in quel momento è sorprendente. Lavorò dodici ore al giorno per il bene della società, non solo come membro del Comune, ma anche come delegato al sindaco. Su sua iniziativa è stata creata la Federazione degli artisti parigini, che riunisce quattrocento membri. Courbet ne è il presidente. Si rivolge ai soldati e agli artisti tedeschi, invitandoli alla fratellanza e alla pace. L'artista capì che i veri nemici erano i reazionari francesi riuniti a Versailles. Era presente ad una riunione della Comune il giorno in cui i versagliesi invasero la città. Il loro terrore era terribile: le persone venivano fucilate nei cortili e per le strade.

Dopo la sconfitta della Comune, Courbet si nasconde per qualche tempo presso gli amici, ma viene arrestato e imprigionato. L'album da disegno mostra le scene terribili a cui ha assistito. Lo schizzo dell'“Esecuzione” è particolarmente impressionante. Quando l'artista fu detenuto nel carcere di Saint-Pélagie in attesa del processo, si dedicò nuovamente alla pittura. Durante i settantadue giorni della Comune non ebbe tempo per dipingere. E in generale, in questo breve periodo di tempo, pochi artisti hanno saputo rispondere agli eventi. Sono stati creati solo cartoni animati e poster. Ora Courbet riprende i pennelli. Dipinge un autoritratto. L'artista malato ed emaciato siede sul davanzale della finestra della sua cella. Dietro le sbarre delle finestre si vede un cortile con alberi rachitici. Il suo viso è triste, gli abiti marrone scuro del prigioniero sottolineano l'umore generale cupo. Sulla porta della sua cella, Courbet dipinge una natura morta con fiori, ciò che avrebbe sognato di vedere. Presto ebbe luogo il processo. Courbet fu condannato a sei mesi di prigione e, soprattutto, a una multa enorme, poiché accusato di aver organizzato la demolizione della Colonna Vendôme. L'artista non avrebbe potuto avere quella somma di denaro. Questa fu una mossa sleale da parte dei suoi nemici; per non aver pagato la multa, Courbet fu imprigionato nella prigione dei debitori. I suoi quadri furono confiscati, il suo laboratorio a Ornans fu distrutto e non si parlò più di esporre.

Distrutto e malato, Courbet visse per qualche tempo presso dei parenti a Ornans. Il governo ha insistito affinché l'artista restaurasse la Colonna Vendôme a proprie spese. A Courbet restava una sola opzione: scappare. E lui, come Louis David, l'artista della Grande Rivoluzione francese, una volta lasciò la sua terra natale e andò in Svizzera. Vive in una cerchia di ex comunardi che lo hanno accettato come uno di loro. Il maestro perde le forze: solo occasionalmente prende in mano i pennelli e dipinge paesaggi. Una di queste “Capanna in Montagna” è conservata nel Museo belle arti prende il nome da A.S. Pushkin a Mosca.

Il 31 dicembre 1877 Courbet muore. Le ceneri dell’artista furono trasferite in patria solo nel 1919. È stato un atto di riconoscimento tardivo. Il nome Courbet è saldamente radicato nella storia francese. cultura artistica, inoltre, l'arte mondiale. Ha preparato il terreno su cui è cresciuta la nuova pittura. Le tradizioni del suo realismo hanno fecondato l'arte avanzata e democratica di molti paesi.