Svolta creativa. Olimpiadi internazionali di meta-materia della creatività scientifica “Breakthrough. Punti critici del destino

L’“arte povera” italiana in mostra nelle sale del Palazzo d’Inverno fino al 16 agosto 2018. Il movimento emerso a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta riuscì ad aggiornare radicalmente le idee estetiche e la pratica artistica dell'epoca. Pavel Gerasimenko racconta di come in 50 anni l'arte povera si è trasformata in uno dei marchi dell'Italia del XX secolo ed è riuscita a diventare alla pari con i gioielli dell'Hermitage.

Lucio Fontana. Concetto spaziale: attesa. 1964. Tela, pittura ad acqua. Galleria d'Arte Contemporanea GAM, Torino. Per gentile concessione della Fondazione Torino Musei. Foto: ©Studio fotografico Gonella

La mostra, dal titolo “Arte Povera. Creative Breakthrough”, celebra l’anniversario del movimento artistico nato a cavallo tra il 1967 e il 1968. Per la prima volta all'Ermitage viene esposta l'“arte povera”, che nel corso di cinquant'anni è diventata uno dei marchi artistici dell'Italia del Novecento. La maggior parte dei reperti provengono dalla più ricca collezione di arte povera del Castello di Rivoli vicino a Torino. Occuparono le sale del terzo piano del Palazzo d'Inverno: entrambe le infilate, la sala esterna, precedentemente dedicata alla pittura tedesca del XIX secolo, e la sala anteriore, dove recentemente erano stati ospitati gli impressionisti e postimpressionisti. Sono passati solo pochi anni da quando la parte dell'Ermitage delle collezioni Shchukin e Morozov si è trasferita nell'edificio dello Stato Maggiore, ma non tutti ricordano dove erano appese opere specifiche. I curatori della mostra - Dmitry Ozerkov e Anastasia Chaladze dell'Hermitage e la celebre Caroline Christov-Bakargiev, curatrice della collezione del Castello di Rivoli - ovviamente non avevano in mente una corrispondenza tra il precedente e l'attuale riempimento delle sale. Tuttavia, la memoria del luogo è stranamente conservata nel museo: per gli standard storici, abbastanza recentemente, gli spettatori delle opere cubiste di Picasso erano indignati: “È arte questa?” - ora accadrà la stessa cosa davanti agli oggetti di Jannis Kounellis o di Mario Merz. L’articolo di Dmitry Ozerkov nel catalogo sottolinea la somiglianza dello spazio dell’Hermitage con la Kunsthalle di Berna, dove il riconoscimento mondiale dell’arte povera ebbe luogo in occasione della mostra di Harald Szeemann “When Relationships Become Form” nel 1969. Forse, negli anni '70 del secolo scorso, non è rimasta solo l'architettura espositiva del museo classico situato nel palazzo, ma anche concetti domestici sulla storia dell'arte. Nel frattempo, nel XX secolo, la vita italiana e quella russa avevano molto in comune: solo in un paese povero e prevalentemente agricolo riescono a poeticizzare la macchina e la tecnologia a tal punto come fecero i futuristi italiani e russi. Nell'arte povera, come nel futurismo russo, il principio pochvennichesk è chiaramente visibile. La sua potente influenza sull’arte mondiale negli ultimi 50 anni continua a crescere – così, seguendo l’esempio italiano, “Russian Poor” è stato concettualizzato con successo, il che è confermato dai prezzi d’asta per gli artisti di “arte povera”.

Frammento della mostra “Arte Povera. Svolta creativa" con l'opera di Mario Merz "Igloo con albero" (1968-1969). Foto: Pavel Gerasimenko

L'Arte povera divenne nota grazie al critico e curatore Germano Celant. Alla fine del 1967 ha luogo una mostra collettiva presso la galleria genovese La Bertesca, che segna l'inizio di un nuovo movimento artistico. L'arte povera ha origine nel nord del paese: i materiali rozzi e poveri, "non artistici" utilizzati dagli artisti erano direttamente legati alla storia e al paesaggio locale e corrispondevano all'austerità contadina del modo di vivere di questi luoghi. La nuova arte fu una reazione all’ideologia alla moda e alla pratica artistica della pop art. Celant seppe dargli una valenza internazionale nell’articolo “Arte Povera: Notes on Guerrilla Warfare”, pubblicato lo stesso anno.

In più di venti sale dell'Ermitage sono rappresentati solo 16 artisti. La mostra, oltre alla divisione monografica degli autori in sale, non ha una struttura chiara, quindi vale la pena soffermarsi sia sulle opere più spettacolari che sul loro opposto, opere fondamentalmente poco spettacolari. Tuttavia, entrambi confonderanno lo spettatore domestico. I curatori hanno puntato sul minimalismo della mostra: in ogni stanza non sono esposti più di tre o quattro oggetti e, grazie alla distanza tra loro, le stanze piccole con soffitti bassi diventano visivamente più spaziose.

La mostra si apre con “Hate” di Gilberto Zorio, che si presenta come una barra di metallo sospesa a circa un metro da terra su delle corde. Nel 1969 l'artista martella una corda in un pezzo di piombo, formando dalle sue pieghe la parola “odio”. Il peso materico e la ruvidità di questo oggetto fissano immediatamente le immagini principali dell'intera mostra.

Gilberto Zorio. Odio. 1969. Piombo, corda.
Collezione privata, Torino. Foto: Antonio Maniscalco

Nelle prime sale sono esposti i predecessori dell'arte povera: Lucio Fontana, Alberto Burri e Piero Manzoni. Se le opere di Burri e Fontana chiudessero la mostra d'arte italiana “Futurismo. Novecento. Astrazione" all'Ermitage nel 2005, poi Manzoni viene presentato nel museo per la prima volta, e non dalla famosa Merda d'Artista, ma da uno degli "Akhrom", tele con la superficie impregnata di argilla bianca. Entrambi Fontana e Manzoni erano scultori di formazione, quindi in un'introduzione l'opera definisce un'altra delle componenti concettuali dell'intera mostra: la scultoreità come qualità importante dell'arte povera. Un'altra proprietà importante - la processualità di quest'arte - è mostrata in "Senza titolo (omaggio a Fontane)" di Pier Paolo Calzolari. In quest'opera del 1989, come in altre opere di Calzolari, il mezzo espressivo è la brina prodotta sulla superficie del piombo dagli elementi di raffreddamento, quindi un'opera del genere cambia continuamente.

Al concetto successivo, l'irrealizzabilità, che Germano Celant definì una delle caratteristiche del nuovo movimento, trova risposta l'“Internazionale” nell'opera di Gilberto Zorio. La melodia dell'inno proletario, suonata dall'artista al carillon nel 1975 nell'ambito di una performance e ripetuta per la registrazione nel 2015, risuona nel passaggio sotto gli archi della Sala Alexander del Palazzo d'Inverno. Questa installazione audio combina l'effimero del suono con l'utopia rivoluzionaria. Nella sala adiacente sono esposte quattro opere di Dzorio, tra cui l'installazione “Pink - Blue - Pink” del 1967, che oggi appare come un presagio di arte scientifica. In esso, il cloruro di cobalto, a seconda dell'umidità dell'aria, cambia colore dal rosa al blu. Paragonando Dzorio a un alchimista moderno, Christov-Bakargiev scrive: "Le reazioni chimiche nei materiali sono analoghe ai processi chimici ed energetici nel cervello, e quindi ai risultati del lavoro psichico in generale".

Frammento della mostra “Arte Povera. Svolta creativa" con opere di Gilberto Zorio. Foto: Museo statale dell'Ermitage

Il curatore italiano ha dedicato l'intera mostra alla memoria di Jannis Kounellis. Le due sale dedicate alle opere dell'artista scomparso nel 2017, ovviamente, non possono essere paragonate in scala alle installazioni realizzate dai classici dell'arte povera a Mosca e Nizhny Novgorod, o alle produzioni operistiche presentate a Perm con le sue scenografie, ma danno comunque un'idea delle modalità di lavoro. La mostra comprende un dipinto giovanile - "Z-3" del 1961, e oggetti che dimostrano la bellezza e le proprietà dei materiali nella loro materialità originaria - si tratta di due opere della fine degli anni '60 "Senza titolo", una con carbone, l'altra con lana . Una stanza separata è occupata da un'installazione del 1997 di cappotti neri sospesi in fila da un binario ricoperto di ruggine: il suo effetto emotivo nasce anche dalla giustapposizione di texture e dalla differenza dei materiali.

Giuseppe Penone, con le sue opere, occupa una stanza dalle cui finestre si può vedere la sua scultura proveniente dal grande ciclo “Idee dalla Pietra” dal titolo “1372 kg di luce”, installata nel grande cortile dell'Ermitage un mese prima della partenza della mostra. Le opere di Penone ora funzionano bene come arte pubblica o in interni, come testimonia l'installazione “The Box”, completata nel 2007. La corteccia dell'albero è ricoperta di pelle e la fusione in bronzo del tronco è dorata dall'interno. Le cose di Alighiero Boetti hanno lo stesso effetto decorativo. Nel corso degli anni l'arte povera si è evoluta in un insieme di tecniche formali. Molti artisti replicarono i loro reperti plastici sia in singole opere, sia ripeterono opere in più copie, sebbene la collezione del Castello di Rivoli contenga le versioni primarie o più significative.

Giuseppe Penone. Idee fatte di pietra: 1372 kg di luce. 2018.
Foto: Museo statale dell'Ermitage

Alcune opere sono state create da artisti come fondamentalmente finite - come Neon in Cement di Giovanni Anselmo, in cui un tubo al neon deve essere sostituito con uno nuovo quando smette di emettere luce. “Floor (Taulogy)” di Luciano Fabro è un quadrato di pavimento ricoperto di giornali. Tradizionalmente, in Italia questo veniva fatto con un pavimento appena lavato, ma lo spettatore domestico noterà prima di tutto la fresca stampa russa sul parquet. Il suo “Coat Hangers (From Naples)” del 1976-1977 costruisce un ponte dall'arte povera a un altro movimento post-minimalista: l'op art. Cinque oggetti luminosi combinano materiali effimeri e durevoli, leggeri e pesanti: le fusioni in bronzo sono ricoperte di tessuto e dipinte con colori acrilici.

La Venere degli stracci di Michelangelo Pistoletto, che, insieme ad altre tre sue opere, occupa la stanza dove erano appese le famose tavole di Matisse, è forse l'opera più famosa dell'artista. Esiste in diverse versioni, tra cui ce n'è anche una performativa: nel 1980 a San Francisco, il posto della scultura era occupato da un modello vivente. Una delle tre opere, una delle prime realizzate nel 1967, è presentata all'Ermitage. Tutte le Veneri hanno dimensioni leggermente diverse, quindi è interessante chiedersi cosa accadrebbe se un gruppo di vestiti assumesse una tonalità diversa o aumentasse di dimensioni nello stesso modo in cui è aumentata la produzione di vestiti nel corso degli anni? La critica alla società dei consumi, che alla fine emerse in quest’opera, non era l’idea principale dell’artista. Come altri maestri dell'arte povera, Pistoletto era più interessato al contrasto plastico e semantico derivante dall'accostamento di una statua di pietra a un mucchio di tessuti. Simili possibilità plastiche di montagne di vestiti colorati sono state poi utilizzate da Christian Boltanski nella sua installazione Personnes del 2010 al Grand Palais.

Frammento della mostra “Arte Povera. Svolta Creativa" con opere di Michelangelo Pistoletto. Foto: Museo statale dell'Ermitage

Famoso è, come “Rag Venus”, anche “Igloo with a Tree” di Mario Merz. Quest'opera (esistente anche in diverse copie originali) è capace di modificare qualsiasi spazio in cui è esposta, e la sala dell'Ermitage con le finestre che si affacciano sulla Piazza del Palazzo non ha fatto eccezione. La struttura in vetro, apparentemente fragile, ha sia leggerezza visiva che sicurezza. Nel corso degli anni, la sua incompletezza si trasforma in una particolare monumentalità, capace di resistere al cambiamento dei tempi allo stesso modo in cui le vere abitazioni eschimesi resistono alla natura.

La conclusione dell'intera mostra è l'opera di Marisa Merz del 1997 "Untitled" - una piccola fontana sopra un violino di paraffina in un bagno di piombo, inaspettatamente situata accanto alle fontane del palazzo. L'acqua che scorre silenziosamente dal centro del violino di cera esprime quella costanza di debole forza che ha aiutato l'Arte Povera a vincere in prospettiva storica, diventando alla pari dei gioielli dell'Ermitage.

Di che colore è la lettera O? come rappresentare il vuoto o svelare il linguaggio di comunicazione degli insetti - nelle scuole russe e nelle scuole vicine all'estero continuano a essere sorpresi dalle domande Olimpiadi "Svolta" e le risposte dei suoi partecipanti.
L'unicità delle Olimpiadi è che è euristica, cioè contiene molte attività di ricerca. Il nostro obiettivo non è semplicemente testare il bambino. Le nostre Olimpiadi ti permette di “spronare” capacità di analizzare, riassumere e sintetizzare le informazioni, e quindi in modo completo promuove lo sviluppo dei giovani creatori.

A proposito delle Olimpiadi

Organizzazione autonoma senza fini di lucro di formazione professionale aggiuntiva "Centro interregionale per le tecnologie innovative nell'educazione"
27 febbraio - 2 marzo 2019 conduce X IOIO Olimpiadi internazionali di meta-materia della creatività scientifica "Breakthrough".

Possono prendere parte alle Olimpiadi tutti gli studenti interessati delle classi 7-11 degli istituti scolastici della Federazione Russa e dei paesi della CSI.

• 1 09.10.2018 Accettazione delle candidature
• 2 27.02.2019 Primo stadio
• 3 15.04.2019 Risultati della prima fase
• 4 22.04.2019 Fase finale
• 5 20.05.2019 Annuncio dei vincitori

Prima fase (di qualificazione). olimpiadi:

Tradizionalmente, tutti gli studenti interessati superano questa fase delle Olimpiadi alla tua scuola. Nel 2019 si terrà 27, 28 febbraio e 1, 2 marzo. L'orario specifico dell'evento è scelto dall'istituto scolastico. Agli studenti verrà offerto 6 compiti creativi, la cui implementazione consente di applicare la conoscenza standard in una situazione non standard; Nell'esecuzione di tali compiti, lo studente può dimostrare la capacità di classificare, generalizzare e tracciare analogie, prevedere il risultato utilizzando l'intuizione, l'immaginazione e la fantasia.

Per partecipare alla prima fase è necessario dal 9 ottobre 2018 al 4 febbraio 2019 presentare una domanda e pagare la quota di registrazione in uno dei modi previsti per un importo di 100 rubli per ciascun partecipante (per orfanotrofi, collegi - 50 rubli per ciascun partecipante).

Tutti i partecipanti alla prima fase ricevono certificati. Quando si invia una domanda da tre partecipanti, vengono forniti certificati stampati e souvenir originali.

Seconda (finale) faseOlimpiadi - distanza:

La seconda fase si svolgerà nel 2019 dal 22 aprile al 28 aprile da remoto. Tutti i partecipanti che hanno superato la seconda fase riceveranno l'accesso in un momento prestabilito per completare le attività delle Olimpiadi online sul sito web www.sito. I vincitori della prima fase prendono parte alla seconda fase (i risultati vengono riassunti secondo i paralleli).

La partecipazione alla seconda fase è gratuita. Tutti i partecipanti alla seconda fase ricevono diplomi e premi memorabili, i vincitori ricevono medaglie uniche.
La partecipazione alle Olimpiadi offre l'opportunità agli studenti delle scuole superiori ricostituire il tuo portafoglio, ottieni punti extra quando invii documenti e aumentare le tue possibilità di entrare nelle università.

Le Olimpiadi si svolgono ai sensi della parte 2 dell'art. 77 della Legge Federale della Federazione Russa “Sull'istruzione nella Federazione Russa” n. 273-FZ del 29 dicembre 2012.

Le principali differenze tra questa Olimpiade e le altre sono le seguenti:

• valutare la qualità dell'istruzione attraverso la valutazione dei risultati delle meta-materie degli studenti che padroneggiano programmi di istruzione generale;
• La partecipazione e la vittoria non richiedono conoscenze speciali e profonde in nessun campo della conoscenza, inoltre, i bambini con bassi risultati accademici possono mostrare risultati elevati: sono proprio questi bambini ad essere caratterizzati da talenti “nascosti”;
• individuazione e sostegno educativo e metodologico dei bambini dotati;
• i compiti delle Olimpiadi sono compiti di ricerca orientati alla pratica, basati sui problemi; l'approccio per risolverli può essere vario: dalle osservazioni della vita all'uso di conoscenze extracurriculari e apparati scientifici;
• promozione della conoscenza scientifica.

Esempi di compiti:

Situazione 1. Specchi incredibili. Se prendi due specchi, li colleghi tra loro con un angolo di 90° e metti una persona tra di loro, otterrai tre riflessi: uno davanti e due a destra e a sinistra - per un totale di 4 persone insieme all'originale . Se disegniamo mezza pallina davanti agli specchi come abbiamo fatto nella figura a destra, allora vedremo due palline intere. Disegna come disporre gli oggetti nello specchio d'angolo in modo che risulti: 4 persone e una palla; 6 persone; 5 palline. Offri le tue opzioni.

Situazione 2. Aspetta, locomotiva, non sbattere le ruote... I colpi delle ruote si verificano a causa delle giunzioni delle rotaie. Se realizzi giunti più piccoli, i colpi saranno più silenziosi. Ma secondo le regole, le articolazioni devono avere una certa dimensione. A cosa è collegato questo? Fornisci esempi in cui altro nella vita viene utilizzato un effetto simile.

Situazione 3. "Ripetizioni." Nella frase "Il cuoco barbaro, il barbaro, la stola barbara", la parola "var" appare fino a 6 volte, e nella frase "La mente di Mumu è piena di pensieri", si può vedere la parola "mente" 4 volte. Inventa anche "ripetizioni" così significative.

Situazione 4. Quasi fratelli. Presta attenzione alle parole “firma” e “dipinto”. Sono molto simili nel suono, ma non hanno lo stesso significato. O un paio di parole “vestirsi” e “indossarsi”. Tali coppie sono chiamate paronimi (gr. para - vicino e onima - nome). Spiega qual è la differenza nelle seguenti coppie di frasi: “ferie annuali” e “ferie annuali”; "casa del vicino" e "casa del vicino". Dai 3-4 dei tuoi soprannomi e dai loro una spiegazione.

Situazione 5. Gatto irremovibile. Non è raro vedere un gatto randagio in un negozio; a volte si arrampica anche sulla finestra e dorme lì. Immagina che un gatto del genere non possa essere cacciato dal negozio, ritorna costantemente e dorme nella finestra. Suggerire un modo per trasformare il danno in beneficio.

Situazione 6. Formiche premurose. Non siamo gli unici ad avere a cuore la preservazione della natura, in particolare degli alberi: nel continente americano, nelle cavità degli alberi vivono formiche “premurose”. Coltivano gli alberi che preferiscono e li aiutano a crescere affinché la popolazione possa vivere. Spiega come le formiche riescono a "far crescere" gli alberi: dopo tutto, a differenza delle persone, non possono uscire per piantare in modo organizzato.

Situazione 7. Internet sconosciuto. Immaginate di dover spiegare ai nativi che non hanno mai conosciuto la civiltà cos’è Internet. Non capiscono la tua lingua. Disegna le immagini che potrebbero aiutarli a capire cos'è Internet nel modo più accurato possibile.

Situazione 8. Natura coerente. In filosofia, come probabilmente saprai, viene formulata la legge dell'unità e della lotta degli opposti. Secondo lui, attraverso la lotta di forze, lati, proprietà opposte si sviluppano tutti gli oggetti del mondo, compresi i sistemi sociali, l'uomo e la sua spiritualità. Descrivi la tua comprensione di questa legge filosofica utilizzando vari oggetti.

Il 17 maggio 2018 la mostra “Arte Povera. Svolta Creativa”, che presenterà più di 50 opere di artisti italiani della seconda metà del XX secolo provenienti dal Museo d'Arte Moderna Castello di Rivoli (Rivoli-Torino, Italia), dalla GAM Galleria d'Arte Contemporanea (Torino, Italia) e da collezioni private (Italia).

La mostra è organizzata dallo Stato Ermitage e dal Museo d'Arte Contemporanea Castello di Rivoli (Rivoli-Torino) con la partecipazione della GAM Galleria d'Arte Contemporanea (Torino), attraverso la mediazione di Villaggio Globale International e con il sostegno di Lavazza ( Italia).

L'arte povera è un movimento emerso in Italia a cavallo tra gli anni '60 e '70. Una caratteristica distintiva del movimento era il desiderio degli autori di allontanarsi dal progresso tecnico divorante verso la creatività artigianale. Rifiutando materiali industriali e high-tech a favore di materiali “poveri” e antiestetici, come stracci, giornali e rami di alberi, gli artisti dell'Arte Povera erano determinati a liberare l'arte dalle catene del tradizionalismo. Una particolare attenzione ai materiali e ai processi di produzione creativa è diventata un luogo comune per gli autori che hanno stabilito una nuova estetica artistica nell'arte europea. Il termine "Arte Povera" fu usato per la prima volta nel 1967 dal critico e curatore italiano Germano Celant.

La mostra sarà allestita nelle leggendarie sale del terzo piano del Palazzo d'Inverno, il cui arredamento è stato concepito proprio a cavallo tra gli anni '60 e '70. Oggi sembra che queste sale somiglino sottilmente agli spazi della Kunsthalle di Berna, il luogo da cui ebbe inizio il riconoscimento internazionale dell'Arte Povera. In mostra saranno esposte opere dell'Arte Povera di Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Gilberto Zorio, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini.

Nel corso del Novecento l’arte italiana ha più volte tentato di offrire al sistema artistico costituito una visione radicalmente nuova del processo creativo. L’avanguardia italiana, attraverso gli sforzi dei futuristi, cercò di enfatizzare il legame tra arte e processi tecnologici, la cui portata nella prima metà degli anni Dieci era capace di capovolgere la consueta percezione del mondo. La svolta industriale di quel tempo spinse gli artisti a cercare nuovi principi per rappresentare la realtà, adeguati al ritmo crescente della vita urbana. Quasi contemporaneamente Giorgio de Chirico, con la sua "pittura metafisica", assume una posizione antimodernista, sottolineando l'importanza dei principi artigianali del lavoro come fondamentali per l'arte. Le premesse contestuali dell'arte italiana del dopoguerra - Alberto Burri, Piero Manzoni, Lucio Fontana - che si riflettevano nel lavoro degli artisti dell'Arte Povera si rivelarono altrettanto antitecnologiche. Le opere di questi precursori dell'Arte Povera aprono la mostra dell'Hermitage.

La drammatica ripresa economica dell’Italia negli anni Cinquanta e Sessanta, alimentata dallo sviluppo industriale, portò alla creazione di una cultura del consumo avanzata. Il desiderio degli artisti dell’Arte Povera di resistere al sistema del capitalismo che sopprime la libertà creativa ha dato alla loro arte una connotazione politica. Allo stesso tempo, le loro opere fornivano riferimenti al passato storico dell'Italia, un paese che per molti secoli ha mostrato al mondo eccezionali maestri d'arte. Tuttavia, il destino dell’Arte Povera non si è limitato al destino di un fenomeno locale a breve termine. Ciò non è avvenuto in gran parte a causa dell'ampia gamma di temi scelti dagli artisti. La complessità e la natura multilivello dei gesti creativi e il ripensamento concettualista dei processi artistici dell'Arte Povera non consentono di interpretare questo movimento come esclusivamente reazionario. Uno dei motivi è la capacità dei rappresentanti del movimento di combinare un ripensamento critico del presente del Paese con una visione romanticizzante del passato dell’Italia. Tutto ciò ha dato alle loro opere leggerezza poetica e apertura al dialogo. Nonostante il fatto che gli artisti fossero accomunati da una serie di somiglianze nel loro lavoro, ognuno di loro ha creato il proprio stile riconoscibile, che ha un valore artistico indipendente. E anche se il movimento esiste ufficialmente da non più di dieci anni, i suoi partecipanti hanno continuato le loro ricerche creative iniziali in modo indipendente, senza cercare di manipolare il termine che li univa.

Quando si parla di Arte Povera si intendono solitamente opere di autori specifici realizzate in un determinato periodo di tempo. Una caratteristica distintiva di queste opere è la “povertà”, cioè l'enfatizzata semplicità dei materiali selezionati. Gli artisti utilizzano oggetti di uso quotidiano che nella vita di tutti i giorni non evocano associazioni con l'arte. Un'altra caratteristica dell'Arte Povera può essere definita una comprensione fondamentalmente nuova del “prodotto” dell'arte, per la quale risultano importanti la “vivacità” e la capacità di mantenere il “processo energetico”. Molte delle opere presentate in mostra sono come sistemi autonomi, capaci di vivere di vita propria e di affermare l'autosufficienza del gesto artistico. I materiali utilizzati dagli artisti, siano essi cemento (Anselmo, Zorio), prodotti industriali (Kunellis, Mario Merz), specchi (Pistoletto, Fabro), rimandano contemporaneamente sia alla produzione industriale che a metodi di lavoro artigianali. Esattamente 50 anni fa, gli artisti dell'Arte Povera compirono un'incredibile rivoluzione creativa, stabilendo la libertà del linguaggio artistico dall'appartenenza a qualsiasi sistema rigido e gettando le basi di una nuova estetica, il cui significato rimane ancora oggi estremamente alto.

Mostra “Arte Povera. Creative Breakthrough” si svolge nell'ambito del progetto “Hermitage 20/21”, progettato per raccogliere, esporre e studiare l'arte dei secoli XX-XXI. Curatori della mostra: Dmitry Yuryevich Ozerkov, capo del Dipartimento di Arte Contemporanea dell'Ermitage di Stato, Anastasia Chaladze, dipendente del Dipartimento di Arte Contemporanea dell'Ermitage di Stato, e Caroline Christov-Bakargiev (Museo di Arte Contemporanea Castello di Rivoli) .

Per la mostra è stata preparata una brochure illustrata (Casa editrice State Hermitage, 2018).

La mostra è accompagnata da un ampio programma educativo, che comprende una serie di conferenze, una conferenza in galleria alla mostra, un festival di installazioni e performance e una maratona intellettuale.

Quando: 15 maggio - 16 agosto 2018

La mostra antologica Arte Povera all'Hermitage celebra il mezzo secolo dell'associazione di artisti le cui opinioni e principi di lavoro sono stati formulati e presentati al mondo dallo storico dell'arte e curatore Germano Celant. “Arte povera” non implica una mancanza di risorse tra gli artisti, ma solo il loro uso di materiali semplici, proporzioni e gesti elementari, che non sempre sono visibili e percepibili dallo spettatore. Gli autori torinesi, milanesi e genovesi degli anni Settanta hanno ampliato i confini dell'arte, creando opere dalle risorse dell'era preindustriale, contrapponendo le loro opere ai prodotti della società industriale.

Lucio Fontana “Concetto spaziale: Attesa”, 1964

Tela, pittura ad acqua, 115,5×191,5 cm

Realizzato con il sostegno della Fondazione Torino Musei

GAM-Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea, Torino

Courtesy Fondazione Torino Musei Studio fotografico Gonella

La mostra dell'Hermitage cerca di raccontarci tutta la storia e tutti gli aspetti del lavoro dei partecipanti al movimento, di presentare i suoi predecessori, così come le opere create dopo il crollo del gruppo, mentre gli artisti continuavano la loro ricerca dei “poveri " fuori dall'associazione. La mostra è costruita su oggetti provenienti dal Castello di Rivoli (la sua direttrice Caroline Christov-Bakargiev ha curato il progetto insieme a Dmitry Ozerkov), dalla Galleria d'arte contemporanea GAM, nonché da opere provenienti da collezioni private. Ad ogni autore viene assegnata la propria stanza, dove le specificità del suo lavoro vengono rivelate nel modo più ampio possibile.

Le sale dedicate agli artisti italiani sono gli spazi in cui un tempo erano esposti gli impressionisti. Caroline Christov-Bakargiev sottolinea in particolare la loro somiglianza con i locali della Kunsthalle Bern, dove nel 1969 ebbe luogo la famosa mostra “Quando le relazioni prendono forma: opere, concetti, processi, situazioni, informazioni” e dove furono direttamente coinvolti gli artisti dell'Arte Povera.

La mostra di Berna è diventata l'evento più importante dell'arte europea, e anche la mostra all'Ermitage è epocale per lo spazio russo. Il fatto è che anche adesso, cinquant’anni dopo, il movimento, che influenzò praticamente tutta l’arte successiva, rimane quasi sconosciuto al nostro pubblico. Diverse opere sono state esposte nel 2011 al Museo d'Arte Multimediale, ma niente di più. Non una sola pubblicazione è stata tradotta in russo e gli autori di molti articoli scritti da autori russi basano le loro argomentazioni sulle proprie impressioni e non sui testi originali di artisti italiani e critici di spicco. Il progetto di San Pietroburgo si è posto il compito di far conoscere finalmente agli spettatori e agli storici dell'arte russi opere vere, ma, sfortunatamente, non testi reali, poiché le spiegazioni introduttive alle sale degli artisti sono state scritte di nuovo, con tutta l'abbondanza di commenti dell'autore e interviste. Inoltre, non ci sono abbastanza testi di Chelant poiché la persona che ha effettivamente ideato questa direzione, in ogni caso, l'ha formalizzata ideologicamente e ha descritto tutti gli aspetti nel modo più chiaro e chiaro possibile.

Mario Merz "Cosa fare?", 1968

Contenitore in metallo, neon, cera, 14,4 × 45 × 17,8 cm

Fondazione Guido ed Ettore de Fornaris

Galleria d'Arte Contemporanea GAM, Torino

Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris

GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea, Torino Foto

La mostra si sviluppa dalle prime sperimentazioni materiche effettuate da Alberto Burri in una serie di tele, e dalle ricerche spaziali di Lucio Fontana, questi artisti non appartenevano alla cerchia, ma è dalla loro ricerca che sono cresciuti gli autori dell'Arte Povera su. Pier Paolo Calzorali realizza un “Omaggio a Fontane”, dove, attraverso un'installazione meccanica, gli oggetti si ricoprono di condensa di ghiaccio e acquisiscono nuove forme e qualità superficiali. Nel suo oggetto “Tenda”, Gilberto Zorio fa evaporare l'acqua salata, mentre la sua scultura “Pink-Blue-Pink” cambia colore in risposta all'umidità dell'aria. E nell’opera di Mario Merz “Cosa fare?” insegna al neon "Che Fare?" scioglie la cera d'api in uno stampo di alluminio, informandoci della natura processuale dell'arte. Queste e molte altre opere dell'Arte Povera sono fragili e instabili. Questo è il motivo per cui l'Ermitage ha un accesso limitato ad essi - probabilmente questo era richiesto dalle norme di sicurezza, ma è un peccato, perché nei musei di tutto il mondo prima, gli spettatori avevano l'opportunità di passeggiare intorno alle sculture e avvicinarsi a loro. Ad esempio, l'opera di Mario Merz “Igloo with a tree” è isolata dai visitatori - l'emblema dell'intero movimento, dove l'autore mette a confronto due tipi di materiali: il legno creato dalla natura e il vetro sviluppato dall'uomo. Il punto sta nell'esperienza fisica che lo spettatore fa di questa giustapposizione, della sua instabilità e fragilità, e l'idea dell'artista era che tutti potessero avvicinarsi e percepirlo. In generale, la natura rivoluzionaria degli artisti dell'Arte Povera risiede proprio nella presentazione della fragilità e dell'effimero del nostro mondo, nell'attenzione al fugace e fugace “qui e ora”. E quando lo leggiamo nelle opere dei nostri contemporanei, possiamo essere sicuri che lo hanno imparato dai loro predecessori italiani.

Sulla base di queste considerazioni possiamo dire che quella meglio esposta è l'opera di Giuseppe Penone, il membro più giovane del gruppo, il cui tema principale è la diversità dei rapporti tra natura e uomo. La sua scultura “Ideas in Stone” presenta enormi massi che presumibilmente crescono su sottili tronchi d'albero, ed è esposta nel cortile dell'Hermitage sullo sfondo della sua architettura formale, creando ulteriori significati e bilanciando tra contesto naturale e culturale.

Giuseppe Penone “Idee dalla pietra - 1372 kg di luce”, 2010

Il 16 maggio 2018 la mostra “Arte Povera. Una rivoluzione creativa” è stata inaugurata allo State Hermitage. Presenta oltre 50 opere di artisti italiani della seconda metà del XX secolo provenienti dal Museo d'Arte Contemporanea Castello di Rivoli (Rivoli-Torino, Italia), GAM - Galleria Civica di Arte Moderna e Contemporanea (Torino, Italia) e collezioni private italiane.

La mostra è organizzata dal Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea (Rivoli-Torino) e Museo Statale Ermitage con la partecipazione di GAM Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea (Torino).

"Abbiamo sempre qualcosa di italiano in corso", ha detto Mikhail Piotrovsky, direttore generale dell'Ermitage di Stato, durante la cerimonia di apertura. “Ieri abbiamo firmato un accordo con il comune italiano di Reggio Emilia e oggi inauguriamo l'ultima mostra d'arte italiana, l'ultima mostra di arte contemporanea e l'ultima mostra organizzata nell'ambito del nostro accordo con Torino. Presentiamo una splendida mostra dedicata all'Arte Povera, una delle tendenze più famose dell'arte del XX secolo. Nacque come protesta contro il futurismo che glorificava il mondo moderno, le macchine e il futuro. In segno di protesta, gli artisti iniziarono a dedicarsi alle cose semplici, creando il movimento dell'Arte Povera. Noi esponiamo l'Arte Povera nelle sale dell'ultimo piano, da dove ormai da tempo si è trasferita l'arte classica, ma l'ultimo piano dell'Ermitage è un simbolo che ha educato più di una generazione. Eravamo molto entusiasti di presentare questa mostra e ci sono voluti diversi anni per realizzarla. Questa mostra non è stata affatto facile. Ha individuato un ulteriore problema: è difficile esporre l’arte contemporanea nei palazzi: è necessaria la fornitura di energia elettrica. La nuova arte necessita di molta più attenzione rispetto a quella classica”.

Alla cerimonia di apertura Mikhail Piotrovsky ha salutato Antonella Parigi, Assessore alla Cultura della Regione Piemonte; Carolyn Christov-Bakargiev, Direttore del Museo d'Arte Contemporanea Castello di Rivoli e curatrice della mostra; Marcella Beccaria, Curatrice Capo del Museo d'Arte Contemporanea Castello di Rivoli; e Leonardo Bencini, Console Generale d'Italia a San Pietroburgo. Il Direttore di Hermitage ha inoltre ringraziato Maurizio Cecconi, amministratore delegato di Villagio Globale International, e l'azienda Lavazza per il sostegno alla mostra.

L’Arte Povera è ancora attuale “poiché è sinonimo di libertà artistica e profondo pensiero ecologico, qualcosa a cui guardare quando si cerca di formulare una resistenza alla società ipertecnologica del consumo nel nostro mondo artificiale e globalizzato”, afferma Carolyn Christov-Bakargiev. “Per questi artisti”, continua, “natura e cultura sono reciprocamente definite e correlate, poiché la natura è una nozione culturale, mentre la cultura non è assente in natura ma è soggetta alle sue regole. Questo atteggiamento è particolarmente importante oggi, in un’epoca in cui i confini tra naturale e artificiale si fanno sempre più labili. Gli artisti dell'Arte Povera hanno unito nel corso dei secoli l'apprezzamento per la vita quotidiana con il rispetto e l'interesse per la tradizione artistica, creando un corpus di opere originali, non convenzionali e non dogmatiche. Diffidenti verso ogni manifestazione artistica troppo intellettuale o virtuosa, erano convinti che l'apparente incoerenza potesse diventare un valore positivo e creativo se interpretata nel rispetto della complessità della vita. Hanno ampliato i campi della pittura, della scultura, del disegno, della performance e della fotografia, spesso passando da un mezzo e da una tecnica all’altra senza preoccuparsi di trovare uno stile unico e condiviso”.

“Arte Povera” è la terza mostra che rientra nel progetto di collaborazione con l'azienda Lavazza. “Per Lavazza è un grande onore presentare la mostra “Arte Povera”. “Una Rivoluzione Creativa” allo State Hermitage di San Pietroburgo, nel cinquantesimo anniversario della nascita del movimento che ha trasformato l’arte contemporanea”, Francesca Lavazza, socia della Luigi Lavazza S.p.A. consiglio di amministrazione, ha detto. “Con questa retrospettiva l’azienda continua la sua collaborazione di lunga data con il famoso museo e fa un ulteriore passo avanti nello sviluppo di progetti unici nel campo dell’arte e della cultura a livello mondiale”.

L’Arte Povera – “arte povera o impoverita” – è una tendenza apparsa in Italia a cavallo degli anni ’70. La caratteristica distintiva del movimento divenne il desiderio dei suoi membri di allontanarsi dal divorante progresso tecnico verso la creatività artigianale. Rifiutando materiali industriali e hi-tech in favore di materiali “poveri” e antiestetici come stracci, giornali o rami di alberi, gli esponenti dell'Arte Povera erano intenzionati a liberare l'arte dai ceppi del tradizionalismo. L'attenzione costante ai materiali e ai processi di produzione creativa divenne una caratteristica comune per gli artisti che stabilirono una nuova estetica nell'arte europea. Il termine Arte Povera fu usato per la prima volta nel 1967 dal critico e curatore italiano Germano Celant.

L'esposizione è ospitata nelle leggendarie sale all'ultimo piano del Palazzo d'Inverno, la cui decorazione è stata anch'essa concepita a cavallo degli anni '70. Oggi sembra che queste stanze somiglino in qualche modo sfuggente all’ambientazione della Kunsthalle di Berna – la sede con cui ebbe inizio il riconoscimento internazionale dell’Arte Povera. La mostra comprende opere di Giovanni Anselmo, Alighhiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini e Gilberto Zorio.

La mostra “Arte Povera. A Creative Revolution” si svolge nell'ambito del progetto Hermitage 20/21 che mira a raccogliere, esporre e studiare l'arte del XX e XXI secolo. La mostra è stata co-curata da Carolyn Christov-Bakargiev, direttrice del Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea e Dimitri Ozerkov, capo del Dipartimento di Arte Contemporanea dell'Ermitage, con l'assistenza di Anastasiya Chaladze, membro dello staff del dipartimento .

Per la mostra è stata preparata una brochure illustrata (Casa editrice State Hermitage, 2018).

La mostra è accompagnata da un vasto programma educativo che comprende una serie di conferenze, una conferenza in galleria alla mostra, un festival di installazioni e performance e una maratona intellettuale.

La mostra si svolge nell’ambito dei progetti della Fondazione Hermitage–Italia attraverso l’agenzia Villaggio Globale International.

La mostra è organizzata con il sostegno di Lavazza, Italia.