Dal 7 marzo al Museo Pushkin. A. S. Pushkina c'è una mostra “Facing the Future. 1945-1968". È diventata la parte finale della festa museale dedicata all'arte del decennio del dopoguerra. Il Museo di Mosca e la Galleria Tretyakov hanno già presentato le loro mostre sul disgelo. Buro 24/7 racconta ogni mostra della trilogia.

"Disgelo di Mosca: 1953-1958"

Dove: Museo di Mosca

Curatori: Evgenia Kikodze, Sergei Nevsky, Maxim Semenov, Alexandra Selivanova, Olga Rosenblum

La mostra del primo “Disgelo” è una sorta di svolta per il Museo di Mosca. Oltre ai soliti dipinti, i curatori hanno prestato grande attenzione all'architettura, alla musica, al cinema e alla letteratura.

“Abbiamo pensato a cosa significa modernità. Ci sono simboli esterni della modernità: i computer, ma comprendiamo che su un computer puoi scrivere le idee di Domostroev, ad esempio, che puoi battere una donna. I nostri contemporanei fanno proprio questo. Il Disgelo ci interessava come l’inizio, il punto di partenza della modernità come tipo di coscienza necessaria per l’oggi.”.

Inoltre, hanno delineato nove direzioni principali che hanno modellato la vita dell'uomo durante il Disgelo. Il primo di essi - il reticolo o matrice - determina non solo il concetto, ma anche il design della mostra. Il termine "griglia" deriva dalle opere della critica d'arte americana Rosalind Krauss, l'erede degli strutturalisti francesi - Roland Barthes, Jacques Lacan, Gilles Deleuze.

“La griglia spiega il significato della nuova distribuzione democratica delle informazioni. Si sviluppa orizzontalmente; non può avere un centro o una dominante. È multicentrico e momentaneo” (Evgenia Kikodze).

La mostra si apre con i materiali del 20° Congresso del Partito del 1956. Questo evento segnò l'inizio dello sfatamento del culto di Stalin e la formazione di un nuovo atteggiamento nei confronti dell'uomo. Poi arriva storia principale era - “Il disgelo” di Ilya Ehrenburg. Non c'è più un eroe stalinista-stacanovista in esso, e i personaggi sono occupati dall'arte e dalle relazioni umane, e non da un luminoso futuro comunista. Nel complesso, la mostra ci immerge nella vita di tutti i giorni, che è finalmente diventata possibile per la gente comune: qui l'autoritratto di Zverev in modo impressionistico è giustapposto alle nature morte di Roginsky e Sobolev.

Dopo "The Lattice" arriva la sezione "Capsule", in cui lo spettatore si ritrova nel mondo dello spazio personale di una persona - "un certo uovo che lo protegge". Oltre agli estratti dei film "Ancora una volta sull'amore" e "Tre pioppi su Plyushchikha", in cui i personaggi stanno costruendo una nuova vita nei propri appartamenti, i curatori forniscono anche un'analogia diretta: il dipinto "L'uovo" di Soster.

Michail Roginsky," Natura morta con una brocca", 1966; “Appartamento Suite”, frammento, 1994

La sezione “Nuovo” riconsidera i resti dell’era staliniana che arriva nuovo sistema. « Nuovi valori sono l'inizio della costruzione, il momento stesso in cui si abbattono le vecchie ed enormi masse di terra sul luogo del futuro edificio“, dice Kikodze, parlando del dipinto “Costruzione del nuovo Arbat” di Shilnikov.

« Controllare il ritmo equivale a controllare la materia; porre accenti, rallentare o intensificare significa riorganizzare creativamente il mondo"(Evgenia Kikodze).

Il jazz prende vita nelle opere di Yakovlev, Pankin, Kulakov, Kropivnitsky, epigoni della pittura occidentale influenzati da Jackson Pollock. Quest'ultimo fu presentato all'Esposizione Nazionale Americana di Mosca nel 1959. Accanto a loro c'è un ritratto di Duke Ellington di Shelkovsky, tratto dalla copertina del disco. Il “nuovo ritmo” ha influenzato anche le lezioni: utilizzando materiali d’archivio della storia della Facoltà di Meccanica e Matematica dell’Università Statale di Mosca, possiamo tracciare come è cambiato il ritmo delle lezioni.

Michail Kulakov,« Apostoli» , 1964

« Stanno emergendo nuovi giovani che non hanno bisogno di essere forzati, ma di essere affascinati. Qui compaiono le tecniche di interazione: ritmo, accenti, pause. È così che nasce il dialogo tra studente e insegnante"(Evgenia Kikodze).

Impossibile immaginare l'era del disgelo senza spazio: ad essa è dedicata la sezione “Mobilità”, che svela il tema della velocità. Moskvich della collezione del Museo di Mosca si affianca alle opere di Turetsky nello spirito della pop art come simbolo di un nuovo lusso, ora accessibile non solo alle élite. Accanto al modello di un motore a reazione a propellente liquido ci sono fotografie di ekranoplani, meteore e razzi dell’ufficio di progettazione di Alekseev. Lo spazio si estende a vita ordinaria- aspirapolvere, asciugacapelli e sifoni assomigliano a unità spaziali, i francobolli sono pieni di immagini di razzi e i dolci si chiamano "Belka e Strelka".

Ekranoplans dal nome. RIF. Alekseeva

Un’altra categoria importante per l’epoca è la “Trasparenza”, che si riflette in diversi fattori contemporaneamente: materiali trasparenti, spazio di lavoro comune nelle fabbriche e assenza di confini e muri nella diffusione delle informazioni. Schizzi di nuove fabbriche provenienti dagli archivi Markhi si affiancano al ritratto di Landau in cemento armato e vetro di Lemport.

“Nella scienza c’è un’unificazione delle conoscenze, nuove scienze stanno emergendo all’intersezione delle discipline tradizionali, la cibernetica è finalmente giustificata e si sta sviluppando rapidamente. Allo stesso modo, nell’arte nascono generi complessi”,- spiega Evgeniya usando l'esempio di un'opera astratta di Lydia Masterkova, creata da pezzi di vari tessuti, incluso il soprabito di un soldato. Viene sollevato anche il tema del confronto tra la comunità scientifica e Lysenko: la sezione “Sintesi” presenta le prime raccolte sui problemi della cibernetica della fine degli anni '50.

La mostra si conclude con “Emptiness”, da cui ha avuto inizio tutto il lavoro. Il tema “Vuoto” si riferisce alla storia dell’artista Yankilevskij sulla distruzione della mostra del 30° anniversario dell’Unione degli artisti di Mosca a Manege nel 1962. Questo evento, in quanto azione politica ben pensata, ha ricevuto un'attenzione particolare anche nei racconti e nelle testimonianze dei contemporanei. Vedendo una macchia nera nell'opera astratta di Yankilevskij, Krusciov disse: "Buco!" - questa frase è stata ripetuta dopo di lui da ciascuno dei membri della delegazione. Discutendo di questo atto di Krusciov, Kikodze riassume:

“L’atteggiamento verso il vuoto è ciò che distingue un sistema totalitario da uno democratico. Questo è qualcosa di sconosciuto, un'opportunità di scoperta. In un sistema totalitario questo non esiste” (Evgenia Kikodze).

"Scongelare »

Dove: Galleria Tretyakov, Krymsky Val, 10

Curatori: Kirill Svetlyakov, Yulia Vorotyntseva, Anastasia Kurlyandtseva

A metà febbraio, alla Galleria Tretyakov è iniziato il suo "disgelo": i lavori per la mostra sono iniziati più di due anni fa.

“C'erano diversi fattori: l'interesse di massa per l'epoca, espresso negli ascolti della serie. Anche il momento storico è importante: nell'arte dell'avanguardia o del realismo socialista, che spesso diventano temi delle mostre, le persone non vanno oltre il corpo di idee esistente, e gli anni '60 - nuovo materiale, che è stato affrontato in varie istituzioni. Il terzo punto è l'interesse per la storia recente, quando le persone comprendono come si siano verificati processi irreversibili in momenti diversi, e questa non è solo la rivoluzione del 1917. L’interesse è apparso per la prima volta negli anni ’90, e da lì è arrivato l’interesse negli anni ’60” (Kirill Svetlyakov).

Anastasia Kurlyandtseva osserva che l'interesse per gli anni '60 non c'è solo in Russia - ciò è dimostrato dalla popolarità delle serie "Mad Men" e "22.11.63", nonché dalle mostre dedicate al design guerra fredda.

Viktor Efimovič Popkov,"Due", 1966

“Abbiamo piuttosto un progetto populista, in cui stabiliamo vettori generali e modelli di percezione. È impossibile mostrare a grandezza naturale 15 anni di vita di un immenso Paese, basta aprire la scatola. Abbiamo cercato di mostrare non arte, ma un documento. Rivelare l'arte come documento, artefatto: questo provoca una serie di perplessità tra coloro che vengono a guardare specificamente i dipinti” (Yulia Vorotyntseva).

L'ingresso alla mostra si apre con frammenti dei film "Dammi un libro di lamentele", in cui gli studenti distruggono simbolicamente sculture e antiche architetture, rimuovendo falsi elementi decorativi per smascherare il modernismo. Immediatamente dietro di loro ci sono frammenti dei film "L'avamposto di Ilyich", "Nove giorni di un anno" e "Le gru volano", dipinti di Korzhev, Kryukov e Nikonov - tutto ciò costituisce una sezione chiamata "Conversazione con il padre".

Fotogramma del film “Le gru volano”, 1957

“Il padre non sempre può rispondere; spesso è una conversazione interna. La gente non parla dei campi e della partecipazione alle ostilità, le storie sono tabù dall’interno”, commenta Kirill Svetlyakov su ciò che sta accadendo. Seguendo il tetro corridoio, si apre una piazza luminosa con un busto di Mayakovsky, attorno al quale si sciolgono i vettori scelti dai curatori da “La migliore città sulla terra” e “Nuova vita” a “Relazioni internazionali” e “Atomo-Spazio”. La ricerca di un nuovo linguaggio avvenne in questo momento non solo nella pittura, ma anche nella vita di tutti i giorni: le persone non parlavano apertamente di relazioni e sentimenti. “Gli anni ’60 furono una ricerca del linguaggio. Emozione, trauma, paura, dolore sono modernisti, è impossibile esprimerli attraverso il realismo socialista”, spiega Svetlyakov.

La mostra si concentra sui sentimenti umani: l'alienazione nel dipinto “Due” di Popkov, le astrazioni erotiche dei Belyutin, la grafica delicata di Dubinsky. Gli eroi dell'epoca non hanno paura di essere infantili, di mostrare i propri sentimenti e talvolta i sogni ingenui. Per nuovi testi seguono grandi aspirazioni: la scoperta dello spazio e lo sviluppo delle terre vergini. Una lavatrice nello spirito dei satelliti spaziali è adiacente a una scultura di Ernst Neizvestny, e gli interni spaziali del designer Balashova sono adiacenti alla tela di grande formato di Nesterov “Listening to Space”. Sebbene il tema dell’individualismo diventi importante per l’abitante urbano, esso si combina con una percezione collettivista.

Tair Salakhov, “Sul Mar Caspio”, 1966

E ora i geologi e gli esploratori polari si stanno trasformando da lavoratori in condizioni di lavoro forzato in lavoratori ordinari. "Sono monumentali, ma ordinari, il che dimostra la riverenza dell'artista nei loro confronti, sebbene non abbia nemmeno l'immagine di un intellettuale", continua Svetlyakov. Il tema dello spazio si trasforma in astrazione: la composizione ottica di Bulatov riecheggia il contatore Geiger di Zlotnikov. Dall'altro lato della piazza c'è la sezione " Relazioni internazionali", dedicato al confronto tra URSS e USA, alla Guerra Fredda e ai rapporti con Cuba. Passeggiando, ci ritroviamo di nuovo nella “migliore città della Terra”, tra le immagini di Pimenov, Gavrilov, Stepanov, Salakhov. Probabilmente “Il Disgelo” è solo la prima parte di una trilogia, dove ci aspetteranno anche “Stagnazione” e “Perestrojka”.

“Affrontare il futuro. Arte d'Europa 1945-1968 »

Dove: Museo Pushkin im. COME. Pushkina, Volkhonka, 12

Curatori: Eckhart Gillen, Peter Weibel, Danila Bulatov

Se nella Galleria Tretyakov e nel Museo di Mosca l'era del disgelo viene mostrata usando come esempio materiale russo, nel Museo Pushkin lo spettatore conosce l'arte dell'Europa del dopoguerra. La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Centro di Belle Arti BOZAR di Bruxelles e il Centro per le Arti e i Media ZKM di Karsruhe, dove era stata precedentemente esposta.

“Nella nostra mostra abbiamo cercato di sfatare i miti classici sulla superiorità americana, sul dominio della pittura astratta e sulla scuola di New York. Abbiamo cercato di concentrarci specificamente sulle tendenze europee: dopo tutto, l'arte concettuale, la pop art e la media art compaiono in Europa(Danila Bulatov, curatrice della mostra “Facing the Future”).

La mostra si apre con la scultura di Ossip Zadkine “The Destroyed City”, che l'artista ha dedicato a Rotterdam, distrutta durante i bombardamenti. La prima sezione “La fine della guerra. Dolore e memoria" unisce la pittura astratta e figurativa degli anni del dopoguerra - la scultura "Crocifisso" di Alfred Hrdlicka, trasferendo l'iconografia del Cristo crocifisso nel linguaggio della nuova pittura. È circondata da dipinti di Max Beckmann, Gabriele Mucchi, Hans Richter e Jean Fautrier. Tutti sono collegati alle esperienze e ai traumi degli anni del dopoguerra. Gli artisti occidentali convivono qui con quelli sovietici: dipinti di Tatlin, Belyutin e Roginsky, sculture di Sidur.

Ossip Zadkine, La città in rovina, 1954; Michail Roginski,“Muro con rosone”, 1965

“La famosa frase di Adorno secondo cui “scrivere poesie dopo Auschwitz è barbarico” definisce il discorso dell’arte tedesca del dopoguerra. L'astrazione diventa linguaggio importante perché altrimenti è impossibile trasmettere tutto l'orrore della guerra. L’allontanamento dal figurativo e gli appelli all’antiarte sono le tendenze più importanti di quel tempo”.(Danila Bulatov).

Presso il colonnato i curatori continuano a sviluppare il tema della Guerra Fredda in due direzioni: realismo e astrazione. I ritratti di Lucian Freud e Vladimir Yakovlev sono adiacenti alle tele di Werner Tübke e Harald Metzkes, dedicate alla repressione della rivolta ungherese del 1956, e alla colomba di Picasso, simbolo di pace. Segue la formazione di un linguaggio di astrazione usando l'esempio della pittura di Tadeusz Kantor, Lydia Masterkova ed Eliya Belyutin. Dalla Guerra Fredda si passa alla costruzione di un nuovo mondo nei dipinti di Léger e Deineka attraverso “Blue Sail” di Hans Haacke e una copia del “Blue Globe” di Yves Klein - espressione dell'assoluto del colore e della ricerca del una nuova forma eterea. La lotta per la pace si esprime nei dipinti di Picasso “Massacro in Corea” e Jorge Castillo, ispirato da lui, nell'opera “Palomares”. Accanto a loro ci sono i trittici di Karl Goetz e Hans Grunding relativi alle minacce guerra nucleare. Gli artisti considerano loro dovere parlare delle questioni che li riguardano: la morte dei civili, la repressione delle rivolte, i bombardamenti e la distruzione di massa.

Hans Grundig, Contro la morte atomica, 1958

Oltre agli artisti occidentali, nella mostra sono ampiamente rappresentati anche i maestri sovietici: Belyutin, Deineka, Masterkova, Infante, i già citati Zlotnikov e Roginsky. "C'era una vignetta sulla rivista Krokodil in cui le persone che guardavano la TV scambiavano per interferenza un servizio di una mostra d'arte contemporanea che mostrava un dipinto astratto di Adam Marczynski."- Danila dice della mostra dedicata al Festival Mondiale della Gioventù e degli Studenti nel 1957.

Un tale confronto tra artisti occidentali e Europa orientale con i sovietici, distrugge un altro mito: sulla divisione dell'arte in orientale e occidentale, astrazione e figuratività, unendo il loro linguaggio e le loro scuole in linea con le tendenze generali europee.

Alexander Deineka, Bozzetto di mosaico, “Progetti di costruzione pacifici”, 1959-1960; Fernand Arman, “Violino bruciato”, 1966

Dopo la Guerra Fredda e la lotta per la pace, la mostra comprende sezioni dedicate alla formazione del nuovo linguaggio degli anni '60: “Nuovi Realismi”, “Superamento del Passato” e “Concettualismo”. Qui lo spettatore incontra nuove tecniche e forme espressive nelle opere di Hines e Arman, incontra l'annullamento dell'arte nelle opere dei gruppi Zero e Nul, si ritrova nella stanza luminosa di Otto Pinet e conosce i concettualisti “Art & Lingua". La fine di un lungo viaggio dal trauma del dopoguerra alla ricerca di nuovi mezzi di rappresentanza è “La fine dell’utopia”, in cui gli eventi politici dell’epoca – manifestazioni in Francia, la formazione di gruppi terroristici in Germania, l’ingresso di Le truppe sovietiche entrano a Praga – si riflettono nelle opere dei situazionisti. Una mostra su larga scala, che comprende più di 200 mostre, mostra lo sviluppo dell'arte in una varietà di direzioni.

« Questa mostra ha lo scopo di avvicinare lo spettatore all'arte contemporanea; mostra il momento della sua formazione, i meccanismi che sono stati utilizzati per passare dall'arte classica a quella contemporanea. Allo stesso tempo, questo non è un libro di testo sull'arte contemporanea o un'antologia: gli autori potrebbero essere diversi. Importanti sono le idee che vengono illustrate dagli artisti rappresentati. Non sono le qualità pittoriche a venire in primo piano, ma piuttosto quelle tecniche, come nel caso, ad esempio, della stanza luminosa di Otto Pinet o dell'opera di Heinz Mack. Anche l'arte del dopoguerra può essere molto bella e impressionante, e ovviamente ci sono cose molto forti legate al tema della memoria e della guerra"(Danila Bulatov).

La mostra richiede davvero dallo spettatore non solo apertura, ma anche una certa preparazione: non sarà facile per una persona abituata a vedere solo i classici tra le mura di Pushkin. Tuttavia, le opere legate ai temi della memoria e della guerra saranno vicine a tutti, anche ai tradizionalisti.

Come sapete, ogni presentazione inizia con un buffet gratuito, dove c'è qualcosa da bere e uno spuntino.

La mostra è stata visitata dalle alte autorità. Qui Olga Golodets è con la direttrice della Galleria statale Tretyakov Zelfira Tregulova e un rappresentante delle Ferrovie russe.

Qualche parola prima del taglio cerimoniale del nastro rosso.

Sul palco improvvisato ci sono organizzatori, mecenati e sponsor della mostra.

Gli ospiti ascoltano attentamente. Tra questi, è stato notato il professore dell'Università statale di Mosca e Stroganovka Vladimir Borisovich Koshaev.

La prima sezione della mostra "Conversazione con il Padre". Il dialogo teso tra le generazioni nella società sovietica del dopoguerra fu alimentato da due temi sui quali molti preferivano tacere: la verità sulla guerra e la verità sui campi. La storia del Disgelo è la storia dei processi di riabilitazione iniziati immediatamente dopo la morte di I.V.

La sezione successiva è " La migliore città Terra." La città nell'era del Disgelo è la principale "scena d'azione", il luogo di contatto tra la sfera privata e quella pubblica: gli abitanti di questa città non si sono ancora chiusi in piccoli appartamenti davanti alla TV, non hanno sono finiti nelle cucine (come accadrà negli anni '70), e la città funge per loro da forum pubblico o “grande casa” - uno spazio per feste nel cortile, balli e letture di poesie nelle piazze e nei parchi.

Avanti - "Relazioni internazionali". Il confronto tra URSS e USA ha determinato il quadro politico del mondo nella seconda metà del XX secolo. La Guerra Fredda e la minaccia dell’annientamento nucleare hanno avuto un’influenza decisiva sul pensiero culturale di questo periodo. Le due superpotenze gareggiarono non solo nella corsa agli armamenti, ma anche nella promozione del loro stile di vita nelle mostre internazionali e nei media.

Festival:

Avanti - "Nuova vita". La promessa di fornire ad ogni famiglia un alloggio separato che soddisfi i requisiti di igiene e vita culturale fu sancita nel nuovo programma del partito del 1961. La società, che tra 20 anni avrebbe dovuto vivere sotto il comunismo, aveva come uno dei suoi obiettivi principali la creazione di una vita privata confortevole. Lo slogan degli anni ’20 “L’artista va alla produzione” ha ritrovato attualità: la pace L'uomo sovietico deve essere migliorato con l’aiuto dell’ambiente quotidiano, e gli artisti e i designer devono educare i cittadini al gusto “corretto” in contrapposizione al “filisteismo”.

Gli organizzatori hanno chiamato lo spazio aperto al centro della mostra Piazza Mayakovsky.

Sezione "Atomo - spazio". Atomo e spazio – come le quantità più piccole e più grandi – determinano la gamma di pensiero degli anni Sessanta, guardando al futuro, che verrà domani. Massovizzazione istruzione superiore e sviluppo istituti scientifici dare alla luce nuovi eroi del tempo: studenti e scienziati. Dal lancio dello Sputnik 1 nel 1957, lo spazio ha catturato le menti ed è diventato uno dei temi principali a livello mondiale. Cultura sovietica, interessando non solo opere pittoriche o poetiche, ma anche il design di oggetti ed elettrodomestici per la casa.

I dipendenti dell'Istituto per i problemi fisici sono membri della famiglia Kapitsa:

Sezione "Mastering". La campagna propagandistica che accompagnò lo sviluppo delle terre vergini sfruttò il “romanticismo dei viaggi lontani” e il desiderio di autoaffermazione e indipendenza. Allo sviluppo si associava anche l’idea di “massificazione” dell’eroismo delle dure “giornate lavorative” a tutte le latitudini dell’Unione Sovietica, nei grandi cantieri, nelle terre vergini del Kazakistan, nelle foreste degli Urali e Siberia. Artisti e poeti intraprendevano viaggi creativi nei cantieri e nelle terre vergini per catturare i “giovani romantici”.

La sezione finale "Nel comunismo!" Nel 1961, al XXII Congresso del PCUS, nel suo discorso N.S. Kruscev promise che “l’attuale generazione del popolo sovietico vivrà sotto il comunismo”. I progressi nell’esplorazione spaziale e le nuove scoperte scientifiche stimolarono l’immaginazione, e nella cultura degli anni Sessanta si possono trovare molte previsioni futuristiche simili a quelle fatte durante il primo decennio rivoluzionario. Le idee di robotizzazione dei processi produttivi sono state parzialmente implementate nella pratica, e ciò ha permesso di pensare che le persone del prossimo futuro comunista potranno permettersi di impegnarsi solo nell'auto-miglioramento e nella creatività in una varietà di settori.

Con il comunismo non ho capito bene cosa volessero dire gli organizzatori. A quanto pare la mostra richiede una lettura più attenta e ponderata.
Diverse viste generali e panoramiche:

È ora di andare:

"I banchi di ghiaccio del totalitarismo si stanno sciogliendo"

Il "disgelo" è iniziato! La Galleria Tretyakov si è preparata così accuratamente - 3,5 anni - per questa mostra che ha persino ordinato un clima adeguato. Fuori ci sono acque sorgive e nei corridoi, come allora, nel 1953-1968, i banchi di ghiaccio del totalitarismo si stanno sciogliendo e si fanno strada flussi di rinnovamento. È stata l'acqua come simbolo di variabilità a diventare l'immagine centrale del progetto.

Volevano installare una piscina al centro del padiglione, ma per motivi tecnici non è stato possibile. Ma siamo riusciti a raccogliere quasi 500 reperti provenienti da 23 (un record per una galleria!) musei e 11 collezioni private. Il punto, ovviamente, non è nella quantità (durante il “disgelo” sono stati esposti alle mostre 3.000 dipinti), ma nella qualità delle cose e nella loro corretta esposizione. I curatori della mostra, guidati da Kirill Svetlyakov, sono riusciti a collocare in modo discreto e confortevole per l'occhio quantità più o meno uguali di pittura, grafica, scultura, arte decorativa e applicata, fotografia, frammenti di film, documenti, articoli per la casa...

Il tono del dialogo, e il “disgelo” si è distinto soprattutto per la possibilità di discutere, è fissato all'ingresso della sala espositiva. Su uno schermo di tre metri, scorrono in parallelo spettacoli di frammenti di film iconici del loro tempo: "Come Tomorrow", "Dammi un libro di lamentele" e "Noisy Day". Uno scultore (Papanov) frantuma le sue opere, Tabakov fa a pezzi mobili borghesi con una sciabola e uno studente di architettura abbandona vecchi modelli.

Sembrerebbe che il prossimo mondo dovrebbe emergere, ma gli organizzatori giocano sul contrasto e ci mandano in un corridoio oscuro. Questa è una delle sette sezioni tematiche della mostra, chiamata “Conversazione con il Padre”, che parla dell'opportunità di scoprire la verità sulla guerra e sui campi. Da qui i guerrieri di bronzo dell'Ignoto e Sidur, il ritratto di Shalamov, scatti tratti dall'opera teatrale “Il mio povero Marat” diretta da Anatoly Efros, dove l'affascinante Olga Yakovleva versa l'acqua in un bicchiere per Alexander Zbruev. Qui è ammucchiato anche un busto di Solzhenitsyn, in cui lo scultore Niss-Goldman rifletteva la delusione dello scrittore, che immeritatamente ha servito otto anni nei campi.

Forse è nel corridoio nero? Nello spazio bianco successivo, Solzhenitsyn è fotografato, piuttosto allegro, mentre si bagna sotto la pioggia alle porte del Nuovo Mondo, dove Tvardovsky, su raccomandazione personale di Krusciov, pubblicò Un giorno nella vita di Ivan Denisovich. Qui, nella zona della “migliore città della terra”, quasi tutti sono felici: su tele, fotografie, poster, schermi... Lyubimov, Rostropovich, Magomayev ridono, Mikhalkov ride, camminando per la Mosca bagnata e a passo svelto tra case simili.

La portata del massiccio sviluppo di Krusciov può essere percepita dal punto centrale della mostra: Piazza Mayakovsky. Da qui si apre la soluzione architettonica di Vladimir Plotnikov: la costruzione di una mostra secondo la formula di una città con un sistema ad anello radiale. Percorsi sottili sono separati da dozzine di muri e scaffalature simili, che ricordano gli edifici di Krusciov. Tutto è in bianco e nero: seguendo l'esempio dello Sconosciuto e della sua famosa scultura, i designer hanno deciso di trasmettere il dualismo dell'epoca.

Alcuni godono del comfort nella zona residenziale modernizzata di Novye Cheryomushki, bevono tè dai servizi della fabbrica di porcellana di Leningrado, usano aspirapolvere Saturn e tessuti color marino della fabbrica di calicò. Si vestono con eleganti abiti Zaitsev, e per ombrelli e altri accessori si rivolgono a GUM, che ha fornito rari scatti delle sue vetrine di quegli anni. Divertirsi in vacanza Costa del Mar Nero, come testimonia la vibrante serie di ceramiche della scultrice Olga Rapai.

In questo momento altri, come Rabin e Kabakov, stanno dando la caccia agli scarafaggi e alle mosche negli appartamenti e nelle baracche comunali. Stanno armeggiando nel fango, costruendo una ferrovia e costruendo altri grattacieli, come nel dipinto di Pimenov. Sviluppano terre vergini e costruiscono Centrale idroelettrica di Bratsk, estraggono petrolio al Nord, mentre sono malnutriti, non dormono abbastanza e si lavano in acqua di mare. Tutto questo è stato catturato da artisti dallo stile duro: Salakhov, Andronov, Pavlov... Attraverso deliberata maleducazione hanno trasmesso la verità del tempo.

Ed era tale che l’URSS competeva con gli Stati Uniti in quasi tutto: dalle armi, all’esplorazione spaziale, all’architettura. Quindi, sul sito della Cattedrale di Cristo Salvatore, fu costruita una piscina e iniziarono a costruire cinema con podi per festival internazionali. E costruendo ampie strade volevano non solo superare New York Avenue, ma anche inserirsi nella geografia globale. Questo è quello che è successo con Nuova Arbat, che è diventata una città gemella con la strada principale della Rio del dopoguerra.

La mostra trasmette tutto questo attraverso manifesti, grafica e documenti d'archivio senza alcun sovrapprezzo o sconto. Sebbene alcuni critici d'arte abbiano accusato la Galleria Tretyakov di imbiancare e parzialmente distorcere la realtà. Naturalmente è facile giudicare coloro che non vissero durante il Disgelo. I testimoni oculari presenti alla giornata di apertura (Tair Salakhov, Zoya Boguslavskaya, Marietta Chudakova e altri) hanno approvato il progetto principalmente per la sua obiettività. E questo dice molto.

Giovedì 16 febbraio la Galleria Tretyakov ha inaugurato la mostra “Thaw”. La mostra, allestita con la partecipazione di decine di musei, istituti di ricerca, collezioni private e aperta fino all'11 giugno, fa riflettere non solo sull'epoca degli anni '50-'60, ma soprattutto sul tempo in cui viviamo.

La domanda è: perché all'improvviso, nel centenario del crollo dell'impero, ci sono tre importanti istituzioni culturali della capitale contemporaneamente: il Museo di Mosca, dove nel dicembre dello scorso anno è stata inaugurata la mostra "Moscow Thaw", la Galleria Tretyakov e il Museo Puškin. COME. Pushkin (un progetto su questo argomento inizia a marzo) - hanno intuito mostre su larga scala sul disgelo, sospese nell'aria. Ma qui sorgono generalmente molte domande, e questo è in sintonia con l’era successiva alla morte di Stalin: per la prima volta nel paese è arrivato un momento favorevole alla ricerca di significato. La paura cessò di essere lo sfondo determinante nella vita del popolo sovietico. Dopo essersi concluso rapidamente, il periodo più libero e fruttuoso della storia dell'URSS ha comunque dato origine a degni frutti: la perestrojka è stata avviata da coloro che sono cresciuti e si sono formati durante gli anni del disgelo. E anche le divergenze di valutazione sull'attuale mostra - forse può essere considerata troppo felice - ci ricordano: il disgelo è il momento per porre domande e cercare risposte diverse.

Da Tyutchev a Ehrenburg

Siamo abituati a ringraziare Ilya Ehrenburg per il termine storico "disgelo" - così chiamò la sua storia, pubblicata nel 1954 sulla rivista "Znamya". Ma nell’articolo sulla letteratura “disgelo” scritto per il catalogo della mostra (questo libro, che rappresenta analisi dettagliata disgelo, che ne svela intrighi e conflitti, merita uno studio a parte), emerge un altro autore -. La sua poesia "Il disgelo" fu scritta nel 1948, quando il poeta tornò dai campi e dall'esilio. Fyodor Tyutchev fu il primo a usare questa parola per definire il clima politico - dopo la morte di Nicola I. Questo fatto ci fa pensare all'inevitabile cambio di stagione non solo nella natura, ma anche nella società, e cercare tracce di un freddo senza precedenti nelle sale della Galleria Tretyakov, dopo di che arrivò il disgelo. Ma qui non ce ne sono quasi.

Astrazione e parodia

Nella prima sezione, che presenta un dialogo tra i giovani degli anni Sessanta e la generazione dei genitori, i curatori della mostra (responsabile del dipartimento le ultime tendenze Galleria Tretyakov e le sue colleghe Yulia Vorotyntseva e Anastasia Kurlyandtseva) l'hanno chiamata "Conversazione con il padre" - ci sono due argomenti su cui riflettere: la verità sulla guerra e Le repressioni di Stalin. Il ricordo delle repressioni era allora fresco: i sopravvissuti erano appena stati liberati, era in corso la riabilitazione di massa: per la prima volta in storia nazionale Le autorità hanno ammesso di essersi sbagliate.

Il tema della repressione è illustrato dal “Ritratto di un padre” di Pavel Nikonov: l'ufficiale bianco Fyodor Nikonov ha trascorso dieci anni in esilio a Karaganda. Ma lo spettatore, senza trovare un'annotazione per l'immagine, probabilmente penserà che il padre provenisse dalla guerra. C'è anche una tempera di Igor Obrosov, che si riferisce al 1937, e un ritratto di Birger (l'ho presentato allo scrittore). I curatori temono che gli artisti del Thaw abbiano appena toccato il tema del terrore di Stalin, quindi la gamma visiva è limitata. Si può discutere con loro: ci sono, ad esempio, i disegni carcerari di Hulo Sooster (il suo pittorico “Egg” è presente in un'altra sezione della mostra). Puoi anche ricordare il dipinto dell'uomo giustiziato: i moscoviti lo videro nel 1962 in una mostra a Manege per il 30 ° anniversario dell'Unione degli artisti di Mosca, la stessa in cui Krusciov maledisse gli anticonformisti, e il merito, in particolare, di Pavel Nikonov era che lì venivano generalmente mostrati artisti repressi e dimenticati. Apparentemente questa storia non rientra nel concetto di disgelo leggero e piacevole come ci è stato mostrato.

Nikonov e Geliy Korzhev sono appesi uno accanto all'altro: ma sono entrambi eroi? Fu alla mostra di Manege che avvenne uno spartiacque: Korzhev si espresse contro i “formalisti” e gli artisti indipendenti, Nikonov era a favore. Ma qui veniamo a conoscenza della mostra di Manezh solo grazie alla partecipazione alla mostra storica dello studio dell'artista astratta Eliya Belutin - nel frattempo, nel Manege furono esposti per la prima volta. Sì, le loro opere partecipano anche all'attuale "Disgelo" - insieme alle tele degli studenti di Belyutin e dei rappresentanti dello stile duro - Geliy Korzhev. Astrazioni di Nemukhin e Zverev, Vechtomov e Turetsky, opere di Oscar Rabin e Lydia Masterkova, sculture di Sidur, Neizvestny, Silis sono esposte nello stesso spazio con un gigantesco trittico del realista socialista Reshetnikov - una caricatura degli astrattisti occidentali. Il fatto che queste cose siano poste su un piano di parità, una accanto all'altra, può dare allo spettatore non iniziato - e crea - l'errata impressione che entrambe siano state esposte durante gli anni del Disgelo. Ma non era affatto così.

Prima che faccia freddo

In sostanza, ciò che vediamo nelle sale della Krymsky Val è un riassunto dell'epoca, un'altra versione del defunto programma “Namedni”, uno spaccato di uno specifico strato temporale: come vivevano i contemporanei, dove lavoravano, cosa hanno fatto scoperte e vittorie... Tale visione, ovviamente, ha il diritto di esistere. È chiaro che le vittorie qui sono più importanti delle sconfitte: il paese ha vissuto di bene in meglio: "Cuba è vicina", grandi scoperte scientifiche, design degli interni di astronavi, dipinti toccanti dell'accademico Blokhintsev, il film più venduto di Romm "Nove giorni di One Year” (i film del disgelo difficilmente sono rappresentati nella mostra più completi di belle arti).

Immagine: Galleria Statale Tretyakov

Il genere determinava anche la struttura. Partendo dalla drammatica “Conversazione con il Padre”, ci troviamo nella “Migliore Città della Terra”, da lì passiamo alle “Relazioni Internazionali” o ci ritroviamo nella “Nuova Vita”. Poi "Sviluppo", "Atomo - Spazio", "Al comunismo!" Gagarin è ancora una volta il nostro unico tutto.

Al centro della mostra, l'architetto Plotnikov ha costruito una piazza Mayakovsky convenzionale, che provoca pensieri sui poeti e sulla poesia (non può mancare il ritratto scultoreo dell'opera). C'è molta arte davvero fantastica qui. La Galleria Tretyakov ha vinto la battaglia contro Pushkinsky per il “Contatore Geiger” di Yuri Zlotnikov (Yuri Savelyevich, morto pochi mesi fa, non è vissuto abbastanza per vedere questo momento - nel frattempo, ci sono molte delle sue cose in mostra). C'è anche un "angolo rosso" - una recinzione con opere di artisti cinetici appese a pareti scure: Lev Nusberg, Raisa Sapgir, Francisco Infante. Ma sembra che ci siano più fotografie che tele. La felicità è nell'aria. Le trascrizioni degli incontri dell'Unione degli scrittori, che condannarono Pasternak e Sinyavsky con Daniel, non disturbano il quadro romantico. Pioggia sulle tele

Sappiamo come finirà il disgelo. La forma aggraziata con cui i curatori hanno presentato il finale di un'era felice non può che essere apprezzata. Si tratta di un dipinto gigante dell'artista careliano Nieminen “Tyazhbummashevtsy”: lavoratori durante una pausa pranzo o una pausa sigaretta, uno di loro con un giornale in mano. La data è ben visibile nell'angolo del foglio del giornale: 23 agosto 1968. Il giorno in cui Truppe sovietiche entrò a Praga. Il secondo titolo dell'immagine è "Tanks 1968". Il disgelo gelò.

Ma non è finita. L'argomento richiede la continuazione. Non si può considerare chiuso, se non altro perché, come già detto, ci aspetta un altro studio sul tema del disgelo: la mostra “Facing the Future”, dedicata all'arte europea del 1945-1968. Il progetto, preparato dal curatore indipendente berlinese Eckhart Gillen, il famoso attivista viennese e oggi direttore del Centro per le tecnologie dell'arte e dei media di Karlsruhe, Peter Weibel e Danila Bulatov del Museo Pushkin, viaggia per l'Europa da sei mesi. Aprirà al Museo Pushkin a marzo. L'arte sovietica indipendente sarà presentata lì come parte dell'arte europea: questo sarà un altro sguardo al nostro disgelo. Da lontano.

Yuri Pimenov. "Correre dall'altra parte della strada", 1963

I curatori, che da diversi anni preparano la mostra,

cercato di creare un quadro quanto più completo possibile di un tempo polifonico, con le sue ricerche artistiche, le domande scomode sulla guerra, l'euforia da scoperte scientifiche e l'ingresso del primo uomo nello spazio, il romanticismo verginale e la corsa agli armamenti.

La mostra comprendeva circa cinquecento reperti provenienti da più di due dozzine di collezioni pubbliche e private, tra cui la Galleria Tretyakov, la Galleria Russa e Musei di storia e l'Istituto di arte realistica russa.

Nel Disgelo di Krusciov è impossibile identificare una chiara dominante artistica, intellettuale o vita politica. Il Disgelo è un'intera epoca e uno stato d'animo, e quindi non può essere ridotto a pochi nomi o fenomeni: così lo vedono i curatori, che hanno fatto un lavoro enorme lavoro di ricerca. Ecco perché nell'architettura espositiva non esiste un unico centro. Più precisamente, esiste, ma è uno spazio aperto - "Piazza Mayakovsky", attorno al quale si trovano sei sezioni tematiche: "Conversazione con il Padre", "La migliore città della terra", "Relazioni internazionali", "Nuova vita", "Sviluppo", " Atomo - spazio", "Al comunismo!".

L'inaugurazione della mostra, “Conversazione con il Padre”, tocca due temi doloranti di quel tempo, di cui non si accettava la discussione: la verità sulla guerra e sui lager. Questa sezione presenta non solo opere artistiche dell'epoca, come “Auschwitz” di Alexander Kryukov o un ritratto di Varlam Shalamov di Boris Birger, ma anche filmati di film iconici: “Silence”, “Nine Days of One Year”, “The Le gru volano", così come fotografie di spettacoli del Teatro Sovremennik, che divenne una delle voci dell'epoca. La seconda metà degli anni Cinquanta fu un periodo di processi di riabilitazione dei prigionieri politici, iniziati subito dopo la morte di Stalin, ma che iniziarono gradualmente a spegnersi all'inizio degli anni Sessanta. Così, il film “Clear Sky” di Grigory Chukhrai del 1961, che racconta di una visita a Prigionia tedesca un pilota che ricevesse un premio dal governo dopo anni di ostruzione e di censura pubblica non sarebbe più stato possibile alla fine degli anni '60.

La sezione “The Best City on Earth” è dedicata non tanto a Mosca (anche se, indubbiamente, ne è la protagonista), ma alla città come spazio pubblico in cui si intersecano privato e pubblico. La città dell'era del Disgelo vuole soddisfare gli standard mondiali; abbandona la rigida gerarchia e lo sfarzo dello stile dell'Impero stalinista a favore di una pianta libera e di vasti spazi (il Palazzo dei Congressi del Cremlino di Mosca, la piscina di Mosca, Kalinin Avenue ). E gli artisti - come, ad esempio, Vladimir Gavrilov e Yuri Pimenov - osservano con interesse la vita della gente comune che si svolge per strada.

La “Nuova Vita” completa tema urbano manufatti e illustrazioni della vita privata del popolo sovietico, tra i quali ci sono molti oggetti di design per interni (e, tra l'altro, oggi decorerebbero giustamente una casa moderna).

Le relazioni internazionali del periodo del disgelo non riguardano solo l’intensificarsi della corsa agli armamenti e l’escalation della guerra fredda tra Unione Sovietica e l’America, ma anche lo scambio culturale, impensabile durante la vita di Stalin. Nel 1955, i musicisti sovietici iniziarono ad andare in tournée negli Stati Uniti per la prima volta dopo una pausa di trent'anni, e l'opera di George Gershwin "Porgy and Bess" fu portata a Leningrado, eseguita dalla compagnia afroamericana Everyman Opera. Poco dopo, la capitale sovietica accoglierà con entusiasmo l'artista Rockwell Kent e il pianista Van Cliburn. Nel 1959 si terrà a Mosca l'Esposizione americana, dove per la prima volta in URSS verranno esposte le opere di Georgia O'Keeffe, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Edward Hopper e molti altri. Le opere in questa sezione della mostra includono vedute di New York di Oleg Vereisky e acquerelli di Vitaly Goryaev della serie “Americans at Home”. E un po’ più avanti c’è il dipinto astratto dello studio “New Reality” di Eliya Belutin, come un appello con gli artisti d’avanguardia occidentali qui invisibilmente presenti.

Nella sezione “Esplorazione” ci troviamo tra i personaggi principali dell'epopea eroica sovietica - esploratori polari, partecipanti a progetti di costruzione su larga scala e lavoratori d'assalto di terre vergini, e nella sezione adiacente “Atomo - Spazio” - circondati da studenti e scienziati, nell’atmosfera della famosa disputa tra “fisici” e “parolieri”. Ecco le fotografie di grandi manifestazioni in onore del primo uomo nello spazio.

Eric Bulatov. "Taglio", 1965-1966.

Sezione “Nel comunismo!” ironicamente si apre con il dipinto di grandi dimensioni di Eliya Belyutin “I funerali di Lenin” (“Requiem”). Interpretando la trama classica della mitologia sovietica nell'estetica modernista, risulta essere una sorta di ossimoro visivo e simbolo progetto sociale, destinata a rimanere un’utopia.

Percorrendo i “quartieri” della città costruiti nelle sale espositive, si ritorna invariabilmente alla piazza centrale, spazio di libera espressione, sperimentazione artistica e nuovi significati che il disgelo assume a distanza storica.

Dettagli da Posta-Magazine
La mostra è aperta dal 16 febbraio all'11 giugno
Galleria Tretyakov sulla Krymsky Val
San Krymsky Val, 10
https://www.tretyakovgallery.ru/