Gustave Courbets mest kjente malerier. Gustave Courbet – biografi og malerier av kunstneren i sjangeren Realisme – Art Challenge. Den dystre realisten Gustave Courbet

Navnet på denne realistiske kunstneren, utstyrt med betydelig talent, har gått inn i annalene til europeisk kunst. Arbeidene hans ble hatet, og selv i dag forringer utenlandske kritikere ofte betydningen av maleriene hans og prøver å overlate dem til glemselen. Sønnen Alexandre Dumas snakket sint om forfatteren, som sjokkerte offentligheten på 1800-tallet med sitt syn på kunst: "Fra hvilket monster kom denne jævelen? I hvilken møkkhaug vokste denne hårete livmoren, som lot som han var en mann? ”

La oss vurdere biografien og arbeidet til denne fantastiske mesteren, som fremkalte så sterke følelser i samfunnet.

Gustave Courbet: biografi

Den talentfulle kunstneren ble født i 1819 i en liten landsby i Frankrike, og livet hans falt sammen med utrolig viktige hendelser i landets historie. Faren hans, en velstående bonde, drømte om at sønnen hans skulle bli en vellykket advokat, og sendte ham for å studere ved college i Besançon, hvor den unge mannen av egen fri vilje begynte å studere maleri.

Etter å ha fylt tjue år drar den unge mannen til Paris, hvor han besøker forskjellige kunstverksteder og beundrer verk i Louvre, men driver ikke med rettsvitenskap. Unge Gustave Courbet vurderer virkelig sin ganske beskjedne kunnskapsbase og prøver å forstå alle maleriets hemmeligheter. Etter å ha glemt at foreldrene sendte ham til hovedstaden i Frankrike for å studere jus, vier han seg helt til kunst. Senere ville Gustave Courbet understreke: «Da jeg ikke hadde noen faste lærere, lærte jeg alt selv.» Den drømmende unge mannen er fascinert av verkene til Delacroix og Ingres, Rembrandt, Caravaggio og Titian. Først kopierer han de store maleriene til mestrene, men forstår at talent alene ikke er nok til å bli en berømt maler.

Oppfylle drømmer om berømmelse og anerkjennelse

Det var nødvendig å stille ut verkene deres på kunstutstillinger, og verkene til dem ble valgt ut av en spesiell jury. Å vise maleriene sine til samfunnet betydde berømmelse og anerkjennelse for skaperen, og siden 1841 sendte Gustave Courbet til opptakskomité lerreter, men lykken ville smile til ham bare noen år senere, og verket "Courbet med en svart hund" ble endelig notert av kritikere. Valgkomiteen avviser resten av verkene, og kunstneren tar feilene hardt.

Etter revolusjonen blir Frankrike en republikk, og endringer i det politiske systemet medfører endringer i samfunnet. Juryen til kunstsalongen ble avskaffet, noe Gustave Courbet ikke unnlot å utnytte, hvis malerier til slutt ble lagt merke til, og folk begynte å snakke om mesteren, men ikke på en rosende måte.

Sjokkerende lerreter

Det sofistikerte publikum var vant til å se vakre ansikter i elegante interiører på lerreter, og kunstneren var den første som avbildet frekke provinser mot en dyster bakgrunn, så det er ikke overraskende at samfunnet ikke aksepterte mesterens sjokkerende verk. Imidlertid hadde Courbet tilhengere og beundrere av talentet hans, som erklærte Gustave grunnleggeren av en ny stil innen kunst - realisme.

En revolusjonær som fikk anerkjennelse

Kunstneren leser bøker av utopiske forfattere og anser seg selv som en anarkistisk sosialist, noe som tiltrekker seg samfunnets oppmerksomhet. En talentfull maler som virkelig ønsker å oppnå anerkjennelse og oppmerksomhet, erklærer seg selv som en republikaner og revolusjonær inntil kjernen. Ifølge forskere av Courbets arbeid, valgte han det helt riktige tidspunktet for en slik uttalelse.

Da republikken ble erstattet av et imperium, og Napoleon III kom til makten, nådde kunstnerens berømmelse sitt høydepunkt. Keiseren favoriserte ikke revolusjonære, og han avviste avslag på å stille ut verk på utstillinger som Gustave Courbet mottok som forfølgelse av politiske grunner. Publikum, etter å ha hørt mye om de vanærede kreasjonene, var ivrige etter å se dem for å danne sin egen mening.

En stor skandale knyttet til arbeidet til den realistiske kunstneren brøt ut i 1853. Courbet stilte ut et sjokkerende verk, "Bathers", som opprørte det respektable publikummet. Det keiserlige paret anså maleriet, som skildrer en fyldig naken kvinne med ryggen mot betrakteren, som støtende. Verket fant umiddelbart sine beundrere og hatere.

Anti-utstilling av realisme

På den tiden var kunstneren Gustave Courbet blitt berømt, og han ble beskyttet av en velstående beskytter av kunsten, med hvis midler "Realismens paviljong" ble bygget, hvor skaperen stilte ut verkene sine. Det var en slags anti-utstilling, hvor publikum ble kjent med 40 nye og gamle malerier av maleren. Paviljongen med verk skrevet i stil med realisme var populær ikke bare blant vanlige mennesker, men også blant kritikere.

Tragedien som forkrøplet maleren

Gustave Courbet, som fikk et skandaløst rykte, hvis malerier ikke etterlot noen likegyldige, tok til orde for en realistisk skildring av virkeligheten. Maleren får tilhengere, maleriene hans er utstilt i ulike europeiske byer med konstant suksess. Imidlertid blir Courbet, som krever frihet til utvikling av samfunnet og motsetter seg statsmakt, arrestert og fengslet av franske reaksjonære. Han er dømt til seks måneders fengsel og en kjempebot, som den syke artisten ikke klarte å betale. En forferdelig ting skjedde: alle lerretene ble konfiskert, verkstedet der maleren jobbet ble ødelagt, og det var ikke snakk om å stille ut.

Deprimert av det som skjer, flykter Gustave Courbet landet til Sveits, men han har ikke lenger krefter til å kjempe og protestere. Han tar sjelden opp pensler og maler, og bare landskap kommer ut av pennen hans. Den 31. desember 1877 dør kunstneren, og det går mer enn førti år før asken hans blir overført til hjemlandet som et tegn på forsinket anerkjennelse. Med sitt arbeid forberedte maleren bakken som ny kunst vokste frem.

"Courbetist"

Realismen til den frihetselskende kunstneren er assosiert med de revolusjonerende hendelsene som finner sted i landet. Det antas at det var slik Courbet Gustave reagerte på urolighetene i Frankrike. Populære opprør bidro til fødselen av en "ny" mester, hvis verk var bestemt til verdensberømmelse. Til tross for at Gustave er avhengig av prestasjonene til strålende skapere fra tidligere epoker, utvikler kunstneren sin egen stil og kaller seg stolt en "Courbetist".

Den dystre realisten Gustave Courbet

Maleriet "Stone Crusher", laget i 1849, forårsaker en enorm resonans. Forfatteren tar opp i sitt arbeid et sosialt problem som har bekymret ham gjennom hele livet. Kunstneren undersøker problemet med ekstrem fattigdom: en gammel mann knuser en stein, og hans unge assistent heller steinsprut i en haug. Ansiktene til de fattige arbeiderne, deres hud mørknet av støv, uttrykker ingenting. Gustave skildret mennesker i forskjellige aldre lei av monotont arbeid mot en dyster bakgrunn, ikke animert av noe. De mørke fargene er like kjedelige som miljøet en mann og en ung mann lever i, og innser at fremtiden ikke lover dem noe godt.

Skandaløst arbeid fullført i 1866

"The Origin of the World" er et maleri av den realistiske kunstneren Gustave Courbet, som er anerkjent som det mest skandaløse verket i maleriets historie. Lenge var den i private samlinger, og på 90-tallet av forrige århundre havnet den på et Paris-museum, hvor den nå er utstilt under skuddsikkert glass. Forfatteren avbildet en naken kvinnelig overkropp, og deklassifiserte det som alltid hadde vært skjult. Det er ingen tilfeldighet at den moderne seeren, som allerede har sett mye, føler seg flau foran bildet.

Lerretet i naturlig størrelse imponerer med sin rå sensualitet. En merkbar rundhet av magen er en indikasjon på fødselen av et nytt liv. Forfatteren ser ut til å forveksle begrepene "last" og "fruktbarhet", og viser virkeligheten uten pynt. Courbet gjemte ansiktet til heltinnen sin, og skapte et kollektivt bilde av en kvinne som lå på et snøhvitt ark. Det realistiske lerretet sjokkerer og fremkaller en følelse av avvisning. Den indignerte offentligheten er opprørt over at kunstneren, som forsøkte å snu en person ut og inn, avskaffer alle tabubelagte konsepter og bevisst spionerer på mennesker i deres mest intime øyeblikk.

Mesterens lerreter høres ut som et kanonskudd i stillhet. Seerne ønsker ikke å se virkeligheten i kunstverk og vil ikke vite sannheten. Og den vågale Gustave Courbet, hvis arbeid stadig ble kritisert, forsøkte bevisst å sikre at samfunnet ikke glemte at det ikke bare er skjønnhet og lykke i verden.

Kvinne i hengekøye med et barn (Femme au hamac, leietaker sønn enfant)

Kunstneren Gustave Courbet er en verdenskjent fransk maler, portrettmaler, landskapsmaler og sjangermaler, en av grunnleggerne av realismen i maleriet – bokstavelig talt den franske realismens nøkkelfigur.

Selvportrett (den desperate mannen)

Jean Désiré Gustave Courbet ble født i juni 1819 i en liten by med rundt tre tusen innbyggere, Ornans, nær den sveitsiske grensen. Faren til den fremtidige berømte kunstneren, Regis Courbet, var en velstående bonde og eide vingårder i nærheten av Ornane.

I en alder av tolv begynte Gustave Courbet å gå på det lokale seminaret, men var annerledes enn totalt antall seminarister med en ekstremt livlig karakter, d.v.s. var, som de ville si nå, en hooligan. Imidlertid studerte han ganske godt. Så bra at han i 1837 klarte å komme inn på Royal College i Besançon, noe som skulle ha en gunstig effekt på hans fremtidige karriere som advokat, som var drømmen til faren til den fremtidige kunstneren.

Men det skjedde slik at Gustave Courbet ble seriøst interessert i å male, og på fritiden fra college begynte han å gå på akademiet, hvor den aspirerende kunstnerens lærer var en av de beste studentene til den berømte klassisistiske kunstneren Jacques-Louis David, Charles-Antoine Flajoulot.

I 1839 dro Gustave Courbet til Paris, etter å ha lovet faren sin at han skulle gå videre dybdestudie rettsvitenskap.

I Paris begynte Gustave å studere kunstsamlingene til Louvre; den unge kunstneren var spesielt fascinert av spanske kunstnere og små nederlendere. Velazquez gjorde et enormt inntrykk på Courbet - Courbet ville senere "låne" mørke toner til lerretene sine fra den store kunstneren.

Etter å ha studert samlingene til Louvre, bestemte Gustave Courbet seg for å vie livet sitt til maleri og begynte å gå på kurs i forskjellige kunstverksteder, og fremfor alt klassene til Charles de Steuben. Veldig snart bestemte den unge mannen seg for å forlate å motta en klassisk kunstutdanning og gikk på jobb i verkstedene til Suisse og Lyapin - i disse verkstedene var det ingen obligatoriske leksjoner, og studentene trengte ikke å følge noen kanoner. Alle timene tok utgangspunkt i elevens individuelle kunstneriske søken, noe som passet Gustav fullt ut.

Snart presenterte den unge kunstneren sitt første maleri for publikum " Selvportrett med en svart hund", og dette bildet var en stor suksess.

Selvportrett med svart hund

Kunstneren i maleriet "Selvportrett med en svart hund" avbildet seg selv sittende ved inngangen til Plaisir-Fontaine-grotten (ikke langt fra Ornans). Til venstre for ham ligger en stokk og en skissebok, til høyre for ham, mot bakgrunnen av et solfylt landskap, stikker en svart spaniel med fold-ører seg ut i mørk silhuett. På himmelen og i bakgrunnen er noen teststrøk laget med en palettkniv, et verktøy som Courbet senere brukte med stor dyktighet. I mai 1842 skrev Courbet til foreldrene:

Jeg fikk en nydelig hund, en renraset engelsk spaniel - en av vennene mine ga den til meg; alle beundrer henne, og i huset til Udo ønsker de henne mye mer velkommen enn meg.

Og bare to år senere" Selvportrett med en svart hund"åpnet dørene til Paris-salongen for Courbet. Imidlertid ble alle andre malerier av den unge kunstneren avvist av en representativ jury.

Saken er den at kunstneren helt fra begynnelsen av sin kreative aktivitet skrev som en realist. Og jo lenger han arbeidet, desto mer ble han interessert i realisme og ble en motstander av enhver dekorasjon - han mente at kunstneren er forpliktet til å vise bokstavelig talt bare virkelighet og livets harde prosa, til og med neglisjere elegansen til maleteknikk.

Kunstneren begynte å male portretter, reiste til Nederland og Belgia, hvor hun etablerte kontakter med maleriselgere. Og en av de første beundrerne og kjøperne av kunstnerens malerier var den nederlandske samleren og kunstneren, grunnleggeren av Haag School of Painting, Henrik Willem Mesdach.

Det var personlige forbindelser med maleriselgere i Holland og Belgia som i ettertid bidro til at kunstneren ble kjent langt utenfor Frankrikes grenser.

Imidlertid begrenset Courier seg ikke til forbindelser i Belgia og Holland; han klarte å komme inn i de kunstneriske kretsene i Paris. Han besøkte ofte den bohemske kafeen "Brasserie Andler", der berømte parisiske kunstnere og forfattere bokstavelig talt bodde.

Fram til midten av 1800-tallet dominerte akademiskismen bokstavelig talt i Frankrike, og verkene til realistiske kunstnere ble svært ofte avvist av arrangørene av prestisjetunge utstillinger. Franske kunstnere, hvis navn senere ble glansen til landets maleri, ble utstøtte og bestemte seg til og med for å organisere sin egen utstilling. Men så begynte revolusjonen...

I 1848 ble syv verk av Courbet stilt ut på Salongen, men det var ingen kjøper til disse maleriene - publikum var ennå ikke klar til å akseptere fransk realisme. Kunstneren var absolutt talentfull og smart, men hans ekstreme realisme i maleriet, noen steder i sjangermalerier, "krydret" med sosialistiske ideer, forårsaket en garantert skandale i parisernes aristokratiske og litterære kretser. Og veldig snart hadde kunstneren innflytelsesrike fiender, for eksempel den berømte kritikeren og forfatteren, anarkistisk teoretiker Proudhon.

Men noen år senere ledet Gustave Courbet den realistiske malerskolen som dukket opp i Frankrike. Dessuten fant verkene til franske realister sine beundrere i andre europeiske land. Men Paris boikottet realistene og i mange år ble ikke et eneste maleri av Courbet stilt ut på Salongen.

I 1871 sluttet kunstneren seg til Paris-kommunen, fikk stillingen som leder av offentlige museer under kommunen, og ble leder for rivingen av Vendôme-søylen.

Etter kommunens fall ble Gustave Courbet dømt til et halvt års fengsel, og etter løslatelsen fra fengselet ble han forpliktet av en fransk domstol til å refundere kostnadene ved å restaurere søylen, hvis riving han hadde tilsyn med.

Kunstneren forlot Frankrike og slo seg ned i Sveits. Han døde i et fremmed land i desember 1877. Fattig og glemt.

Malerier av kunstneren Gustave Courbet

Liggende naken
Munningen av Seinen Portrett av en jente (Portrait d'une fillette) På kanten av en klippe (Sur le bord de la falaise)
The Bacchante (La Bacchante)
Selvportrett (Den sårede mannen)
Hengekøye Portrett av Paul Ansout
Ettermiddagsavslapping i Ornans (Etter middag på Ornans) Sovende blond
Bondepike med skjerf
Brannmenn som løper til en brann
Ornans ved middagstid (View of Ornans) Madame Auguste Cuoq (Mathilde Desportes, 1827-1910)
Unge damer i landsbyen
The Sleeping Spinner (La fileuse endormie) Louis Gueymard som Robert le Diable
Store eiketrær ved vannkanten, Port-Berteau (Grands Chenes, bords de l'eau, Port-Berteau) Kilden
Rochemont Park (Le Parc de Rochemont)
Kvinne med en papegøye
Jo, La Belle Irlandaise (Jo, La Belle Irlandaise)

Og avslutningsvis vil jeg vise deg et maleri av Gustave Courbet, som gjorde kunstnerens navn ikke bare allment kjent ... Det var en skandale. En skandale som overlevde artisten og fortsetter til i dag.

Dette bildet ble ikke vist for publikum før i 1988. Nå er dette verket av Gustave Courbet stilt ut i Brooklyn Museum (New York) bak panserglass og under konstant vakt - det er bokstavelig talt en stolpe ved siden av maleriet.

Dette maleriet ble bestilt av en tyrkisk diplomat for hans personlige samling. Imidlertid gikk diplomaten veldig snart konkurs, samlingen ble solgt under hammeren og... Generelt fikk publikum veldig snart vite om tilstedeværelsen av maleriet og om dets forfatter.

Kunstelskere har allerede innsett at jeg snakker om maleriet av Gustave Courbet

Verdens opprinnelse

Det er ikke for ingenting at bildet anses som skandaløst. Før du snur lysbildet, s Jeg inviterer deg til å lese: Jeg er allerede 18 år og faller ikke i hysteri av realistisk maling i nakenstil.

Jean Désiré Gustave Courbet var en fransk maler, landskapsmaler, sjangermaler og portrettmaler. Han regnes som en av romantikkens finalister og grunnleggerne av realismen i maleriet. En av de største kunstnerne i Frankrike på 1800-tallet, en nøkkelfigur i fransk realisme.

Gustave Courbet ble født i 1819 i Ornans, en by med rundt tre tusen mennesker som ligger i Franche-Comté, 25 km fra Besançon, nær den sveitsiske grensen. I 1839 dro han til Paris og lovet faren at han skulle studere juss der. I Paris ble Courbet kjent med kunstsamlingen til Louvre. Hans arbeid, spesielt hans tidlige arbeid, ble senere sterkt påvirket av små nederlandske og spanske kunstnere, spesielt Velazquez, som han lånte de generelle mørke tonene i maleriene fra. Courbet studerte ikke jus, men begynte i stedet å studere i kunstverksteder, først og fremst hos Charles de Steuben.

I 1844 ble Courbets første maleri, Self-Portrait with a Dog, stilt ut på Paris Salon (alle andre malerier ble avvist av juryen). Helt fra begynnelsen viste kunstneren seg som en ekstrem realist, og jo lenger, desto sterkere og mer iherdig fulgte han denne retningen, og vurderte kunstens endelige mål å være overføring av bar virkelighet og livsprosa, og samtidig tid å neglisjere selv elegansen av teknologi. På 1840-tallet malte han et stort antall selvportretter.

På slutten av 1840-tallet, den offisielle retningen Fransk maleri Det var fortsatt akademiskhet, og verkene til realistiske kunstnere ble med jevne mellomrom avvist av utstillingsarrangører. Derfor, i 1847, ble alle tre av Courbets verk presentert på salongen avvist av juryen. Dessuten avviste Salong-juryen i år arbeidene stort nummer kjente artister inkludert Eugene Delacroix, Daumier og Théodore Rousseau.

Til tross for kunstnerens intelligens og betydelige talent, forårsaket hans naturalisme, erfarne, i sjangermalerier, med en sosialistisk tendens, mye støy i kunstneriske og litterære kretser og skaffet ham mange fiender (blant dem var Alexander Dumas, sønn), selv om også mange tilhengere, inkludert som tilhørte den berømte forfatteren og anarkistiske teoretikeren Proudhon. Etter hvert ble Courbet leder for den realistiske skolen, som oppsto i Frankrike og spredte seg derfra til andre land, spesielt Belgia. Nivået på hans fiendtlighet mot andre kunstnere nådde det punktet at han i flere år ikke deltok i parisiske salonger, men på verdensutstillinger organiserte han spesialutstillinger av verkene sine i separate rom.

«Hvilket monster kan denne jævelen komme fra? Under hvilken hette, på hvilken møkkhaug, vannet med en blanding av vin, øl, giftig spytt og stinkende slim, vokste dette tommestemmet og hårete gresskaret, denne livmoren som utgir seg for å være en mann og en kunstner?», - det var akkurat slik Alexander Dumas sønn snakket følelsesmessig og sint om denne mesteren.

Gustave Courbet sjokkerte den sofistikerte offentligheten på 1800-tallet med sine unike kreative lidenskaper. Hans syn på kunst forårsaket avsky, beundring eller indignasjon, men lot ingen være likegyldig. I tillegg var oppførselen til den revolusjonære kunstneren også langt fra ideell. Og han fikk ryktet som en "støyende skøyer" tilbake i 1831, da han var skolegutt.

Young Courbets interesse for tegning oppsto takket være «far» Bod, guttens lærer. Men faren så på sønnen som en vellykket advokat, så den respektfulle sønnen, som fulgte foreldrenes råd, studerte flittig jus ved Royal College i Besançon. Samtidig glemte han ikke å ta hensyn til kunst, og studerte den ved det lokale akademiet. Men en dag ble det endelige valget tatt til fordel for kreativitet, og Gustave Courbet flyttet til Paris, hvor han begynte å mestre håndverket.

Den unge mannen var en hyppig besøkende på museer, hvor han flittig kopierte verkene til kjente malere. Riktignok ble Gustave umiddelbart dypt skuffet over maleriene til den franske skolen. Han så foraktende på lerretene, og erklærte frimodig overfor sine kamerater at han ikke ville ha blitt kunstner hvis ekte maleri bare bestod i slike verk.

Mesteren ønsket å systematisere kunnskapen sin og studerte verkene til hver kunstskole i streng rekkefølge. Noe senere brukte Courbet på en dyktig måte den akkumulerte kunnskapen, som vennene hans kalte ham "Predikanten Courbet." En dag tok kameratene hans med seg Gustave til Luxembourg-museet, satte ham foran maleriet og spurte hans mening om lerretet. Den frekke Courbet svarte:

«Jeg ville gjort det samme i morgen hvis jeg våget»

Han var ambisiøs og tørstet etter anerkjennelse, noe han søkte etter vellykket emne og eksperimenterte med stiler. Men resultatene av eksperimentene hans var mislykkede, og de fleste av de foreslåtte verkene ble kritisert av medlemmer av Salon-juryen. Bare Self-Portrait with a Black Dog, der kunstneren avbildet seg selv sittende nær inngangen til Plaisir-Fontaine-grotten, fikk en mer tilbakeholden vurdering fra dommerne. Av venstre side fra Courbet lå en skissebok og en stokk, og til høyre var det en svart spaniel.

Gustave brukte det samme maleriet som et utkast, og testet ut et nytt tegneverktøy på lerret. Flere uforsiktige strøk laget med en palettkniv er synlige i bakgrunnen. Men selv "Selvportrett med en svart hund" styrket ikke Gustave Courbets posisjon; tvert imot ble det bare verre etter ekteskapet hans med Virginia Binet.

Men snart smilte lykken til mesteren: en nederlandsk kjøpmann kjøpte to ferdige verk av kunstneren og lovet å gjøre flere bestillinger hvis Courbet kom til Holland. Mesteren tenkte lenge; kameratene hans, blant dem var Charles Baudelaire, Pierre Proudhon og andre unge kunstnere og forfattere, hjalp ham med å ta den endelige avgjørelsen. Venner samlet seg i en taverna, som de kalte seg imellom "realismens tempel." Det var der de diskuterte ideene som dannet grunnlaget for den arrogante Gustave Courbets realistiske malestil.

Kritikere spyttet åpenlyst på kunstneren, karikaturtegnere var ikke uvillige til å parodiere noen av verkene hans, og seerne ble rasende da mesteren presenterte sine skandaløse malerier. Den sterke reaksjonen på realisme ble berettiget av to grunner: denne stilen virket farlig fordi den ble aktivt støttet av sosialister, og dens estetikk motarbeidet den akademiske måten som ble vedtatt på salongen.

Kunstneren behandlet samfunnets mening med latterliggjøring og erklærte ikke uten glede sin motstand mot den eksisterende orden:

«Jeg er ikke bare sosialist, men også demokrat og republikaner. Med andre ord, jeg er en revolusjonær til kjernen."

Hvis klassisistene skildret eldgamle helter, og romantikerne foretrakk eksepsjonelle individer under eksepsjonelle omstendigheter, så gjorde realistene, som Courbet regnet seg til, samtidige og hverdagslige anliggender til hovedtemaet i arbeidet deres.

Gustave fremstilte alt som ekte og kjente ikke igjen «utsmykning». For eksempel, i 1849, ble maleriet "Begravelse i Ornans" laget, der vanlige franskmenn ble avbildet i full høyde på bakgrunn av en historisk komposisjon. Figurene fyller nesten hele rommet, og det likegyldige utseendet til de rituelle deltakerne gir vitalitet til handlingen.

Courbet var spesielt god på portretter av kvinner. Det var de som vakte den største forargelsen i den høyst moralske delen av samfunnet, som var klar til å kaste stein på den frekke kunstneren. Så i 1853 forårsaket maleriet "Bathers" mye støy. Dette verket er en åpen protest mot gamle plott og tidligere konsepter om å skildre en person "i det moren hans fødte."

Kritikere anklaget kunstneren for at kvinnen på bildet var for realistisk, og "glemte" at jentelige konturer og former utelukkende tilhører mytiske karakterer, ifølge klassisismens kanoner. I Salongen ble det uttrykt meninger om at selv krokodiller ville miste appetitten hvis de så en så praktfull dame. Og stillingene til heltinnene i bildet forvirret også publikum. For eksempel, hos en jente med løftet hånd så de et snev av Maria Magdalena, og en slik tvilsom tolkning satte umiddelbart preg av blasfemi og en blasfemisk holdning til tro på bildet. De brukte til og med direkte og smålig latterliggjøring og uenigheter om det faktum at kappen på den avbildede kvinnens hofter ikke var ren nok.

I 1854 fullførte kunstneren det realistiske maleriet "Hello, Monsieur Courbet!", som ble en sensasjon på verdensutstillingen i Paris i 1855. Samtidig ble kunstneren erklært en forkjemper for den nye anti-intellektuelle kunsten, og etter det begynte hans åpne motstand mot offisielle kretser.

Avvist av salongen organiserte Gustave en privat utstilling på Realismens paviljong. Courbet håpet på publikums beundring og støtte, men demarsjen betalte knapt tilbake kostnadene ved å bygge lokalene.
Men bare to år senere ble maleriet "Maids on the Banks of the Seine" offisielt presentert, som regnes som et kunstnerisk uttrykk for "moralske, psykologiske og sosiale ideer."

Fra den tiden begynte Courbets kreative fremgang, som ikke kunne brytes verken ved fengsling, eller ved latterliggjøring av en inkompetent offentlighet, eller av problemer med myndighetene. Kunstneren fulgte bestemt sitt borgerlige standpunkt og tok til orde for en realistisk skildring av virkeligheten. Han fortalte en gang Mr. Delacroix om dette:

«Hvordan maler du engler når du har sett dem? Og hvis du ikke har sett dem, hvordan kan du skrive dem? Så jeg skriver bare det jeg ser"

Navnet Courbet betyr ikke mindre for kunsten på 1800-tallet enn Rembrandt og Velazquez for 1600-tallet. Tross alt proklamerte han åpent realisme som sin kreative metode og var medlem av Paris-kommunen. Kunstneren har alltid vært i sentrum av klassekampene, og startet med revolusjonen i 1848. Kan han virkelig være ute av dette? Courbet ledet ikke opprørene, men verkene hans var inspirert av de som deltok i dem, det arbeidende folket. Han begynte å skildre dem på den måten at en gang bare var guder, mytologiske helter og konger representert. Alt var nytt for ham. Courbets kunst ble hatet som bare en opprører kan hates, eller de så i ham et banner for kampen for en bedre fremtid. Slik blir maleriet hans oppfattet den dag i dag. Borgerlige kritikere bagatelliserer betydningen av kunstnerens verk og prøver å overlate dem til glemselen. Demokratisk tenkende forfattere legger vekt på hans innovasjon.

Courbets realistiske svar på de revolusjonære hendelsene i 1848. Det er umulig å sammenligne lerretene «Funeral in Ornans» og «Stone Crusher», laget av ham i 1849–1850, med de romantiske selvportrettene og langsøkte komposisjonene han utførte før 1848. Det er karakteristisk at hans samtidige kalte kunstneren «revolusjonens sønn». Og han var selv enig i denne oppfatningen.

Courbets demokrati ble oppdratt fra barndommen, blant familien hans, blant folket i provinsen Franche-Comté, hardtarbeidende og ærlig. Gjennom hele livet bar han kjærligheten til hjembyen Ornan. Han kom ofte tilbake dit, malte områdene rundt med kraftige trær, dyrkbar jord og vingårder og skapte portretter av innbyggerne. Hans bestefar, en deltaker i den store franske revolusjon, en jakobiner, hadde stor innflytelse på ham. Gustave Courbet adopterte også ideene til sin far, en liberal og tilhenger av 1830-revolusjonen.

Da han ankom Paris, leser han bøker som forklarer læren til utopiske sosialister og ser på seg selv som deres etterfølger. I et sent selvbiografisk notat bemerker kunstneren direkte at han i ti år, frem til revolusjonen i 1848, tok til orde for en aktiv revolusjon. Artikler under hans signatur dukket opp i den sosialistiske avisen Human Rights. Innfødte i Ornans aksepterte også ideene til den berømte sosialisten Proudhon, forfatteren av den oppsiktsvekkende brosjyren "Hva er eiendom?", som han senere ble veldig vennlig med. Kamppoesien til Bérenger, romanene til Balzac og George Sand hadde innvirkning på den unge mannens mentalitet. Kunstnerens frihetselskende karakter og manglende vilje til å ta hensyn til normene for borgerlig "anstendig" oppførsel skapte legender; de snakket om den "hestrike provinsen" overalt. Kafeen der Courbet besøkte sammen med vennene sine, poeten Charles Baudelaire, kritikeren Chanfleury og andre, begynte å bli kalt «realismens tempel».

Den 22. februar 1848 ble det utropt en republikk i Frankrike, som kunstneren engasjert støttet. Sammen med Baudelaire og Chanfleury deltar han i utgivelsen av avisen "Public Salvation", som han lager en tegning som representerer en ung fanebærer på en barrikade. Samtidig grunnla han en sosialistisk klubb. Courbet var bestemt til å se hvor brutalt juliopprøret ble undertrykt av general Cavaignac. Maleren er deprimert over det han ser. I frykt for forfølgelse fra myndighetene drar han til Ornans.

Revolusjonen bidro til fødselen av den "nye" Courbet. «Mesteren fra Ornans», som de begynte å kalle ham, dukket opp. Han implementerer realismens prinsipper han utviklet.

En sjelden arbeidsevne utmerker kunstneren. I løpet av kort tid ble det skapt en rekke verk, hvorav tre var bestemt til verdensberømmelse: «An Afternoon at Ornans», «Funeral at Ornans» og «Stone Crusher». Deres betydning er ikke redusert selv blant slike mesterverk av den franske skolen som Davids «Oath of the Horatii», Gericaults «Medusa-flåten» og Delacroixs «Liberty on the Barricades». Courbet arver den store tradisjonen med progressiv kunst i Frankrike. I sine søk stolte han også på prestasjonene til fremragende mestere fra fortiden: Caravaggio, Rembrandt, Velazquez og Zurbaran. Han utviklet en helt ny måte, som tillot ham å si: "Jeg er en courbetist!"

Her er maleriet «Ettermiddag på Ornans». I det mørke mørket på kjøkkenet sitter folk rundt spisebordet og hører på fiolinisten. Dempt lys fra det øvre vinduet, usynlig for betrakteren, faller på en hvit duk. Sittestillingene er frie. Kunstnerens far, som poserte for dette maleriet, er avbildet nærmere betrakteren, med et glass vin i hånden. Overfor sto forfatteren selv, ved siden av ham sto hans barndomsvenn. Sønnen til en lokal organist spiller fiolin. Faktisk er lerretet ikke bare en sjangerscene, men også et gruppeportrett. Det var her dyktigheten til en portrettmaler, anskaffet av Courbet i Paris på førtitallet, kom godt med! Stykket er utført meget dyktig, figurene er mesterlig skulpturert med farger. Lys og skygge er spesielt godt fordelt, og understreker plastisiteten til kroppene. Courbet er nær det episke kunstneriske språket.

Maleriet ble stilt ut på Salongen i 1849, hvor det vakte stor oppmerksomhet. Delacroix sa direkte om forfatteren: "Innovator, revolusjonerende!"

I den neste salongen, som åpnet 30. desember 1850, ble maleriet "Begravelse på Ornans" oppført som nummer 661 i katalogen. Dette gigantiske lerretet, som konkurrerer på størrelse med en freskomposisjon, ble startet av Courbet tilbake i 1849. Under en grå himmel, mot bakgrunnen av et kjedelig platå, beveger et begravelsesfølge seg. Kunstneren påpekte at dette er et portrett av det "sekulære" samfunnet Ornans, der borgermesteren, presten, dommeren, notarius, forfatteren selv, faren, søstrene, funksjonærene og graveren er representert. Kanskje representerer scenen begravelsen av kunstnerens bestefar. Dette bevises også av bildene av to gamle menn i kostymer fra slutten av 1700-tallet som står i midten av bildet. Courbet kaller dem selv «de gamle mennene i 1794», det vil si deltakere i den store franske revolusjonen, kamerater av bestefaren. En av dem har en spørrende gest. Han ser ut til å lure på hvem som skal erstatte den avtroppende generasjonen. Alle ansiktene i prosesjonen kjennetegnes ved et prosaisk uttrykk. Sorgen til noen virker falsk; kuraten leser bønnen rent mekanisk. De andre geistlige, etter deres røde og flirende ansikter å dømme, er fulle. Bare barn ser naturlige ut.

Kunstneren arver tradisjonene til Rembrandts "Night Watch", og skaper dyktig bildet av en folkemengde. Selv om folk reagerer ulikt på det som skjer, er det generelt likegyldighet. Bildene av presteskapet er avbildet på en komisk måte; det er verdt å minne om at Courbet er en ateist.

Sammenlignet med maleriene i salongens haller, så maleriet "Begravelse på Ornans" ekstremt uventet ut. Fra akademisk maleris synspunkt er Courbets maleri "anti-komposisjonelt": det er ingen hovedkarakterer, ingen perspektivdybde. I den originale kullskissen går prosesjonen helt forbi betrakteren. Men så bestemmer artisten seg for å gjøre ham til en "deltaker" av det som skjer. Derfor er figurene til mennesker skrevet i full høyde. Prosesjonen snur mot midten av bildet. Alle deltakere ses fra bunn til topp, like store. Equality of heads, en teknikk som er kjent fra greske relieffer, ble tilsynelatende bevisst brukt her av Courbet. Fargeskjemaet "begravelse", i nyanser av svart og grått, tilsvarer også enheten i komposisjonsstrukturen. Det er bare sporadisk sprut av rødt, hvitt, blått og grønt.

Courbet malte bildet under vanskelige forhold. Det enorme lerretet fikk knapt plass i det lille, dårlig opplyste verkstedet. Det ble kun laget en kullskisse. Fullskala portrettskisser hjalp i arbeidet. Kanskje, som hjelpemateriale, brukte mesteren populære trykk, som ble sirkulert blant vanlige mennesker som en «fin avis». Den dypt nasjonale opprinnelsen til filmen er ubestridelig.

Enkelhet, lakonisme og dyp utforskning av temaet gjør Courbets lerret til en bemerkelsesverdig milepæl i kunsthistorien. Kunstneren selv kalte "Begravelsen i Ornans" en historisk scene. Han mente at emnet moderne liv, vist så realistisk, fortjener samme respekt som andre sjangre som en gang ble ansett som sublime. Dette verket kan betraktes som et kunstnerisk dokument fra tiden. En av hans samtidige, kritikeren Castagnari, sa at bildet viser borgerskapet slik det er «i full vekst, med dets særheter, styggheter og skjønnhet».

Handlingen til et annet maleri, "Stone Crusher", opprettet i 1849, ble observert av kunstneren i virkeligheten. Han våget å gjøre maleriets tema til et ekstremt uttrykk for fattigdom, «moderne slaveri», som vennen Proudhon ville sagt. En gammel mann knuser en stein, en gutt med en kurv i hendene heller ruiner i en haug. Klærne deres er dårlige, skoene er utslitte. Huden i ansiktet og hendene ble mørkere og ble ru av sol og støv. Det kjedelige og monotone arbeidet så ut til å dempe deres bevissthet.

Fremtiden lover dem ikke noe godt. Det er derfor Courbet viser folk i to aldre. Fargingen av maleriet, som det kan bedømmes ut fra reproduksjonene (verket gikk tapt i Dresden i 1945), er basert på en enkelt brun tone, som ikke blir levendegjort av noe. Fargene er like matte som miljøet og menneskene.

Courbets malerier hørtes ifølge samtidige ut som et kanonskudd. «The Artist of 1848», som han kalte seg selv, reiste et sosialt problem i kunsten hans. I løpet av årene med reaksjon virket det uvanlig at emner utenkelig for "stor" kunst ble favoritter i maleriet hans. Den 2. desember 1851 falt republikken. Og hva? Besøkende til salongen blir minnet på hva de ikke vil vite om, ikke vil huske. Dette er frekkhet! Courbet gikk bevisst mot dette. Han mente at maleriene hans skulle bli et uttrykk for de revolusjonerende prinsippene for humanistisk maleri. I 1851 sa han: "Jeg er en sosialist, demokrat, republikaner, med et ord, en tilhenger av enhver revolusjon, dessuten er jeg også en realist, det vil si en oppriktig venn av ekte sannhet."

Paris. Verdensutstillingen i 1855. I nærheten av dets territorium bygger Courbet en paviljong, som han kalte "realisme." Faktum er at juryen til verdensutstillingens kunstavdeling nektet å akseptere en rekke av verkene hans, og stolte på slike mestere som Ingres og Delacroix, knyttet til romantikkens tradisjoner. Realismen var fremmed for juryen, og den gikk med på å stille ut bare noen få malerier av Courbet, og forlot verkene som han anså som de viktigste. Og så iscenesatte mesteren fra Ornan en slags anti-utstilling, som viste publikum førti gamle og nye lerreter. Hovedoppmerksomheten ble tiltrukket av et enormt lerret, seks meter langt og fire meter høyt, kalt "The Artist's Workshop". Imidlertid hadde den også en andre tittel: "Real Allegory." Hva mente maleren med dette? Er allegorier som skildrer abstrakte konsepter ekte? Åpenbart forsøkte han ikke å forlate skildringen av virkeligheten og ønsket ikke å gå inn i verden av konvensjonelle bilder generert av de gamles mytologi. Mesteren forsto mye livsmateriale knyttet til kreativ praksis. Han kalte en slik generalisering en allegori, hvis betydning var fundamentalt forskjellig fra allegoriene til klassisistisk maleri.

De tretti karakterene i maleriet forteller, som Courbet forklarte, «den moralske og fysiske historien til verkstedet hans». Derfor høres den andre tittelen på dette verket mer fullstendig ut: "En ekte allegori som definerer den syvårige perioden av min kunstneriske karriere." Men denne syvårsperioden av kunstnerens liv åpner med 1848. Revolusjonen viste seg å være avgjørende for utviklingen av Courbet. Tatt i betraktning at paviljongen der maleriet ble vist ble kalt "Realisme", kan vi si at han bestemte seg for å offentliggjøre ideen om hvordan man kan lage et realistisk maleri. I forordet til utstillingens katalog bemerket maleren ikke bare viktigheten av å demonstrere «individualitet i forhold til tradisjoner», men også kravet om å skape «levende kunst». "Det er ingen andre lærere enn naturen!" utbryter han.

Sammensetningen av lerretet er delt inn i tre deler, som hver til en viss grad er uavhengige, men alle er forbundet med semantisk enhet. Kunstnerens verksted, hvor det er et staffeli med et maleri, maletilbehør er synlige, og verkene til eieren selv henger på veggene, er fullt av mennesker. Dette interiøret viser kunstnerens originale selvbiografi i maling. I sentrum avbildet Courbet seg selv, selvsikker og stolt. Han maler et landskap. Utseendet til området virker kjent - dette er kunstnerens hjemsted i Franche-Comté. Men dens grunnlag kreativ metode arbeid direkte fra naturen. Hva er i veien? Landskapet symboliserer naturen, kunstneren dyrket det alene. Ved siden av ham er nakenfiguren av en modell med et vakkert rosa draperi som faller i bølger til gulvet: dette er en slags "muse" av realisme. Verket blir sett av en landsbygutt - personifiseringen av direkte oppfatning av skjønnhet. Bak staffeliet er en mannequin som representerer Saint Sebastian. At han vises i skyggen er selvfølgelig ingen tilfeldighet: helgenskikkelsen betegner tydelig tradisjonene i akademisk kunst.

Courbet er avgjørende mot dem, og dette kan tydelig leses på bildet. Ved siden av utstillingsdukken er en avis som ligger en hodeskalle - en vanlig egenskap ved kunstnerverksteder, nødvendig for å studere anatomi. Men at det ligger på avisen er ikke tilfeldig. Den borgerlige pressen på den tiden var, i det treffende uttrykket til O. Balzac, «ideens kirkegårder».

På sidene av lerretet er det to grupper. Disse er, som forfatteren selv sa, "mine venner: arbeidere og kunstelskere." Til høyre er spesifikke bilder, de fleste av dem er portretter. Her kan seeren se Baudelaire, som personifiserer poesi, Proudhon, «filosofiens ånd», Chanfleury, en kunstkritiker som forsvarte realismen i pressen, og samleren Bruas. En gutt blir sett på gulvet og tegner. Dette er kunstens fremtid. Så til høyre dominerer kreativitet, stillhet og refleksjonsverden.

Det er annerledes i den motsatte delen av bildet, der symboler på fattigdom, rikdom, arbeid og religion er gitt. Som Courbet selv understreket, portretterte han de utnyttede og utbytterne. Alle av dem - en jeger, en bonde, en arbeider med sin kone, en tekstilhandler, en fattig irsk kvinne med et barn - presenteres i karakteristiske positurer. Gestene deres er varierte og karakteristiske. Men figurene er mindre knyttet til hverandre enn på høyre side av bildet, som om hver karakter lever et selvstendig liv. Det er mulig at mange hadde ekte prototyper. Dermed kan man i to bilder skjelne trekkene til kritikeren Theophile Sylvester og den revolusjonære Garibaldi. De personifiserer et aktivt liv som har sosial betydning; en realistisk kunstner bør være interessert i deres skjebne.

Bildet ble malt raskt, på fire måneder. Internt forberedte kunstneren seg på det lenger. Behovet for å klargjøre egne posisjoner og bane vei for realisme hjalp. Courbet ble hjulpet av tidligere verk, portretter av Baudelaire, Chanfleury, Bruas og skisser av sine landsmenn. Som mange kunstnere i sin tid brukte han fotografi. Med hennes hjelp ble for eksempel en nakenmodell malt.

Courbet forsto at lerretet "The Artist's Workshop" ville forårsake mye kontrovers, og sa: "Folk som vil dømme alt dette vil ha ganske mye arbeid." Mesteren introduserte dristig betrakteren i sirkelen av hans kunstneriske oppdrag. Denne komposisjonen, som oppsummerte så mange av kunstnerens tanker og følelser og forkynte en nyskapende metode i en stor episk form, ble innledet av andre verk. Blant dem er det verdt å nevne "Bathers", som forårsaket en skandale på salongen i 1853, og "Meeting", utstilt et år senere. I «Bathers» unngår Courbet bevisst enhver idealisering, og skildrer på lerret den nakne kvinnefiguren blant trærne. Lerretet "Meeting" har også et annet navn: "Hei, Mr. Courbet!" Den representerer en kunstner som møter en god venn, samleren Bruas. Begge stykkene ble vist sammen med The Workshop og The Funeral at Ornans i 1855.

Realismepaviljongen vakte oppmerksomhet fra publikum og kritikere. Presseanmeldelser styrket bare artistens rykte, som var en blanding av "skandale og ære." Hovedsaken er at realisme ble populær, de snakket om det, kranglet om det...

Etter utstillingen dro Courbet til Ornans og malte snart maleriet «Jenter på bredden av Seine», hvor han viste moteriktig kledde kvinner slappe av i skyggen av tette trær. I komposisjonen "Return from the Parish Conference" presenterte mesteren kritisk, nesten karikert presteskapets moral, og stolte på tradisjonene til populære populære trykk. Dette maleriet ble selvfølgelig ikke akseptert i salongen for dets akutte anti-geistlige karakter; deretter ble det kjøpt av en nidkjær katolikk spesielt for å ødelegge det.

I 1860 var situasjonen i fransk kunst i ferd med å endre seg. En ny generasjon mestere ankom, ledet av Manet og Whistler. I 1863 avviste Salong-juryen så mange malerier at regjeringen bestemte seg for å vise dem i en spesialutstilling. Mange fremtidige innovatører stilte ut der.

Courbet fulgte nøye med på kunstens utvikling. Navnet hans er synonymt med en avgjørende revolusjon i kunstnerisk smak. I 1867 gjenåpnet han en egen paviljong. Kunstnerens malerier er utstilt i forskjellige byer i Europa i Brussel, Antwerpen, Gent, München. Han har følgere til den tyske kunstneren Wilhelm Leibl, ungarske Mihaly Munkacsi, belgiske Charles de Grue. Mesterens kunst endrer seg merkbart, ikke alle var i stand til å forstå disse endringene, mange tidligere kollegaer og venner vendte seg bort fra Courbet. Men dette deprimerer ham ikke. Han maler stilleben, nakenfigurer, landskap og jaktscener.

Krigen med Preussen kompliserte den politiske situasjonen i Frankrike, i luften før stormen hvor nærhet til revolusjonen ble følt. Den 16. mars 1871 brøt det ut et opprør i Paris. De reaksjonære ministrene flyktet til Versailles. Den 28. mars ble Kommunen utropt. Courbet ble valgt til medlem. Hans tro er noe vage: etter den småborgerlige sosialismen til Proudhon, krever han frihet til utvikling av samfunnet, og motsetter seg innflytelsen fra statsmakten. Naiv "anarkisme" hindret ham imidlertid ikke i å delta aktivt i kommunens aktiviteter. Sammen med kritikeren Burti ble han med i kommisjonen som overvåket aktivitetene til "moralsk kompromitterte" museumsfunksjonærer. Han var imot fjerning av kunstneriske skatter fra hovedstaden og ba om å beskytte republikkens eiendom. Aktiviteten hans på den tiden er fantastisk. Han arbeidet tolv timer om dagen for samfunnets beste, ikke bare som medlem av Kommunen, men også som delegat til ordførerens kontor. På hans initiativ ble Federation of Parisian Artists opprettet, som forente fire hundre medlemmer. Courbet er presidenten. Han henvender seg til tyske soldater og kunstnere, og kaller dem til brorskap og fred. Kunstneren forsto at de virkelige fiendene var de franske reaksjonære som samlet seg i Versailles. Han var til stede på et møte i kommunen den dagen versailleserne invaderte byen. Terroren deres var forferdelig: folk ble skutt i gårdsrom og på gatene.

Etter kommunens nederlag gjemte Courbet seg en stund hos venner, men ble arrestert og fengslet. Skisseboken viser de forferdelige scenene han var vitne til. "Execution"-skissen er spesielt imponerende. Da kunstneren ble holdt i Saint-Pélagie-fengselet mens han ventet på rettssak, vendte han seg igjen til maling. I løpet av de syttito dagene av kommunen hadde han ikke tid til å male. Og generelt sett, i løpet av denne korte perioden, var det få artister som var i stand til å svare på hendelsene. Bare tegneserier og plakater ble laget. Nå tar Courbet opp børstene sine. Han maler et selvportrett. Den syke, utmagrede kunstneren sitter i vinduskarmen på cellen sin. Bak vindussperrene kan du se en gårdsplass med forkrøplede trær. Ansiktet hans er trist, de mørkebrune klærne til fangen understreker den generelle dystre stemningen. På døren til cellen hans malte Courbet et stilleben med blomster - det han ville drømme om å se. Snart fant rettssaken sted. Courbet ble dømt til seks måneders fengsel og, viktigst av alt, en stor bot, da han ble anklaget for å ha organisert rivingen av Vendôme-søylen. Artisten kunne ikke hatt den slags penger. Dette var et forrædersk trekk fra fiendene hans; for manglende betaling av boten ble Courbet utsatt for fengsel i skyldnerens fengsel. Maleriene hans ble konfiskert, verkstedet hans i Ornans ble ødelagt, og det var ikke snakk om å stille ut.

Nedbrutt og syk bodde Courbet en tid hos slektninger i Ornans. Regjeringen insisterte på at kunstneren skulle gjenopprette Vendôme-søylen for egen regning. Courbet hadde bare ett alternativ igjen - å løpe. Og han, som Louis David, kunstneren under den store franske revolusjonen, forlot en gang sitt hjemland og dro til Sveits. Han lever i en krets av tidligere kommunarder som aksepterte ham som en av sine egne. Mesteren mister kreftene: bare av og til tar han opp penslene og maler landskap. En av dem "Hytte i fjellene" oppbevares i museet kunst oppkalt etter A.S. Pushkin i Moskva.

Den 31. desember 1877 døde Courbet. Kunstnerens aske ble overført til hjemlandet først i 1919. Det var en forsinket handling av anerkjennelse. Navnet Courbet er fast forankret i fransk historie. kunstnerisk kultur dessuten verdenskunst. Han forberedte bakken som nytt maleri vokste frem. Tradisjonene til hans realisme befruktet den avanserte, demokratiske kunsten i mange land.